lunes, 25 de febrero de 2008

"Oscars 2008", no existieron mayores sorpresas.



















Hace algunos minutos terminó la octogésima ceremonia realizada por la Academia siendo la película norteamericana No Country for Old Men la propuesta que recibió más estatuillas llevándose cuatro de los galardones en las categorías de Mejor dirección, Joel y Ethan Coen, Mejor guión adaptado, Joel y Ethan Coen, Mejor Película y Mejor actor de reparto, Javier Bardem. Como se había adelantado en este blog no existieron sorpresas resonantes salvo que en los premios menos promocionados las haya habido pero que no estamos en capacidad de analizar en profundidad. Las casi inexistentes dudas que me quedan son el premio a mejor diseño de vestuario, me parece que debieron ser reconocidas Jacqueline Durran por Atonement o bien Marit Allen por La Vida en Rosa. Sin embargo el premio se le concedió a la veterana y gran diseñadora, Alexandra Byrne, por su notable trabajo en el film Elizabeth: The Golden Age, muy al estilo clásico de la época. Acá creo que los votantes de la Academia debieron empezar a cambiar el estilo normalmente premiado por otras proposiciones más novedosas. Pero el premio es justo e indiscutible. Luego me queda la incógnita por mejor película aunque Atonement y la ganadora eran superiores a sus competidoras salvo Petróleo sangriento cuyos méritos resultan indiscutibles. Creo que en este premio se confirmó algo que mencioné en uno de los comentarios del blog. Era muy poco probable que los cinco premios más promocionados se los entregaran a propuestas no norteamericanas porque el riesgo era demasiado alto así que los votantes prefirieron al film local que al del Reino Unido, quienes ya tendrán su oportunidad. Atonement tiene un género más complejo de estructurar que el de la película de los Coen, por lo tanto, ese detalle la hacía merecedora al premio. Esto no significa disconformidad alguna con el Oscar a No Country for Old Men porque es una muy buena película, la mejor de los hermanos junto a Fargo y Barton Fink, y un gran reconocimiento a los Coen que con simpleza y caballerosidad digna de elogio recibieron dos premios más, que por fin los reivindica y los posiciona nuevamente como los exponentes mejor dotados del hoy renovado cine negro independiente norteamericano. Fue un 2007 tibio, de aciertos predecibles pero aceptable siendo la gran revelación de la noche la misma premiación, ya que el Oscar resultó siendo justo y nada polémico. Parece extraño decirlo pero ha sido así. Les agrego el listado y espero sus siempre bienvenidos comentarios.


Película

"Atonement" (Focus Features)
"Juno" (Fox Searchlight)
"Michael Clayton" (Warner Bros.)
"Sin lugar para los débiles" (Miramax y Paramount Vantage)
"There Will Be Blood" (Paramount Vantage y Miramax)

Director

Julian Schnabel, "The Diving Bell and the Butterfly"
Jason Reitman, "Juno"
Tony Gilroy, "Michael Clayton"
Joel y Ethan Coen, “Sin lugar para los débiles”
Paul Thomas Anderson, “There Will Be Blood”

Actor principal

George Clooney, “Michael Clayton”
Daniel Day-Lewis, "There Will Be Blood"
Johnny Depp, "Sweeney Todd”
Tommy Lee Jones, "In the Valley of Elah"
Viggo Mortensen, "Eastern Promises"

Actor de reparto

Casey Affleck, "The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford"
Javier Bardem, “Sin lugar para los débiles”
Philip Seymour Hoffman, "Charlie Wilson's War"
Hal Holbrook, "Into the Wild"
Tom Wilkinson, "Michael Clayton"

Actriz principal

Cate Blanchett, "Elizabeth: The Golden Age"
Julie Christie, "Away from Her"
Marion Cotillard, "La Vie en Rose"
Laura Linney, "The Savages"
Ellen Page, "Juno"

Actriz de reparto

Cate Blanchett, "I'm Not There"
Ruby Dee, "American Gangster"
Saoirse Ronan, "Expiación"
Amy Ryan, "Gone Baby Gone"
Tilda Swinton, "Michael Clayton"

Película animada

"Persepolis", de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud
"Ratatouille", de Brad Bird
"Surf's up", de Ash Brannon y Chris Buck


Película en idioma extranjero

"Beaufort" (Israel), de Jopseh Cedar
"Die Fälscher" (Austria), de Stefan Ruzowitzky
"Katyn" (Polonia), de Andrzej Wajda
"Mongol" (Kazajstán), de Sergei Bodrov
"12" (Rusia), de Nikita Mikhalkov

Documental

"No End in Sight"
"Operation Homecoming: Writing the Wartime Experience"
"Sicko", de Michael Moore
"Taxi to the Dark Side"
"War-Dance"

Guion adaptado

Christopher Hampton, “Atonement”
Sarah Polley, “Away from Her”
Ronald Harwood, "The Diving Bell and the Butterfly"
Joel y Ethan Coen, “Sin lugar para los débiles”
Paul Thomas Anderson, “There Will Be Blood”

Guion original

Diablo Cody, “Juno”
Nancy Oliver, "Lars and the Real Girl"
Tony Gilroy, “Michael Clayton”
Brad Bird, Jan Pinkava y Jim Capobianco, “Ratatouille”
Tamara Jenkins, “The Savages”

Dirección artística

Arthur Max y Beth A. Rubino, “American Gangster”
Sarah Greenwood y Katie Spencer, “Atonement”
Dennis Gassner y Anna Pinnock, “La brújula dorada”
Dante Ferretti y Francesca Lo Schiavo, “Sweeney Todd”
Jack Fisk y Jim Erickson, “There Will Be Blood”

Fotografía

Roger Deakins, "The Assassination of Jesse James by the Coward Robert Ford"
Seamus McGarvey, “Atonement”
Janusz Kaminski, "The Diving Bell and the Butterfly"
Roger Deakins, “Sin lugar para los débiles”
Robert Elswit, “There Will Be Blood”

Diseño de vestuario

Albert Wolsky, “Across the Universe”
Jacqueline Durran, “Atonement”
Alexandra Byrne, "Elizabeth: The Golden Age"
Marit Allen, “La Vie en Rose”
Colleen Atwood, “Sweeney Todd”

Edición

Christopher Rouse, “The Bourne Ultimatum”
Juliette Wlfling, "The Diving Bell and the Butterfly"
Jay Cassidy, "Into the Wild"
Roderick Jaynes, “Sin lugar para los débiles”
Dylan Tichenor, “There Will Be Blood”

Maquillaje

Didier Lavergne y Jan Archibald, “La Vie en Rose”
Rick Baker y Kazuhiro Tsuji, “Norbit”
Ve Neill y Martín Samuel, “Piratas del Caribe: Hasta el fin del mundo”

Partitura musical

Darío Marianelli, “Atonement”
Alberto Iglesias, “The Kite Runner”
James Newton Howard, “Michael Clayton”
Michael Giacchino, “Ratatouille”
Marco Beltrami, “3:10 to Yuma”

Canción original

"Falling Slowly" ("Once"), de Glen Hansard y Marketa Irglova
"Happy Working Song" (“Encantada”), de Alan Menken y Stephen Schwartz
"Raise It Up" ("August Rush): No se han determinado los autores nominados.
"So Close" (“Encantada”), de Alan Menken y Stephen Schwartz
"That's How You Know" (“Encantada”), de Alan Menken y Stephen Schwartz

Edición de sonido

Karen Baker Landers y Per Hallberg, "The Bourne Ultimatum"
Skip Lievsay, “Sin lugar para los débiles”
Randy Thom y Michael Silvers, “Ratatouille”
Matthew Wood, “There Will Be Blood”
Ethan Van der Ryn y Mikel Hopkins, “Transformers”

Mezcla de sonido

Scott Millan, David Parker y Kirk Francis, “The Bourne Ultimatum”
Skip Lievsay, Craig Berkey, Greg Orloff y Peter Kurland, “Sin lugar para los débiles”
Randy Thom, Michael Semanick y Doc Kane, “Ratatouille”
Paul Massey, David Giammarco y Jim Stuebe, “3:10 to Yuma”
Kevin O'Connell, Greg P. Russell y Peter J. Devlin, “Transformers”

Efectos visuales

Michael Fink, Bill Westenhofer, Ben Morris y Trevor Wood, “La brújula dorada”
John Knoll, Hickel, Gibson y John Frazier, “Piratas del Caribe: Hasta el fin del mundo”
Scott Farrar, Scott Benza, Russell Earl y John Frazier, “Transformers”

Cortometraje documental

"Freeheld"
"La Corona"
"Salim Baba"
"Sari's Mother"

Cortometraje animado

"I Met the Walrus"
"Madame Tutli-Putli"
"Même Les Pigeons Vont au Paradis”
"Moya Lyubov"
"Peter & the Wolf"

Cortometraje de acción viva

"At Night"
"Il Supplente”
"Le Mozart des Pickpockets”
"Tanghi Argentini"
"The Tonto Woman"

Hasta la próxima...

miércoles, 20 de febrero de 2008

“The Bucket List”, la alegría de vivir hasta el último suspiro












Creo que para nadie es un secreto que el vertiginoso ida y vuelta de la vida nos conduce irremediablemente a la tarde o temprana llegada de la vejez, que suele ser aquella etapa en que todo ser humano sufre la impotencia de no poder regresar al pasado ni de reintegrarse a una sociedad que lo empieza a mirar y juzgar de lejos, luego a rechazarlo para finalmente descartarlo. Lo único que le queda a esa persona es poder almacenar en su ya desarticulada memoria e intelecto, sumados a otras afecciones que va afrontando el organismo -como una enfermedad grave o una terminal- una perturbadora existencia llena de sensaciones ingratas e inocultables que redundan en el sentirse como una innecesaria carga familiar o simplemente no valerse por si mismo. Este hecho es de por sí compulsivo, deprimente e imposible de superar siendo la resignación y la posterior abdicación lo que nos alejará definitivamente de la vida para que esta misma empiece a prepararnos para el transitar la impostergable llegada de la muerte.

Quisiera complementar este planteamiento matriz comparándolo a tres películas, de obligada referencia con la materia, realizadas ya hace algunas décadas, por tres prestigiados directores de cine de distinta nacionalidad pero que reflejan en sus contenidos el tratamiento que cada uno de ellos le confiere a la etapa de la vejez del ser humano y que está ligada estrechamente a la parte emocional, psicológica y social a The Bucket List. Nos referimos a los dramas, Vivir del japonés Akira Kurosawa, Umberto D, del italiano Vittorio De Sica y El Último, del alemán Murnau, obra de arte del cine mudo europeo. La obra del maestro Kurosawa está definida como una conmovedora historia que narra los esfuerzos de un hombre por tratar de darle sentido a los pocos meses que le quedan de vida, tras habérsele diagnosticado un cáncer terminal. Pero en su acepción más filosófica se trata de un neorrealismo particular de los sentimientos y que se considera como un canto positivo hacia la vida, lejos de un pesimismo existencialista que trate a la muerte como el horrible final del camino, aunque la moraleja del film de Kurosawa es mucho más esperanzador logrando en su propuesta dejar la sensación de haber asistido a una extraordinaria lección de vida. Umberto D de De Sica ejemplifica el neorrealismo italiano. La aspereza emocional del film se acentúa cuando Umberto D, intenta salvaguardar su dignidad como ser humano evitando lo más degradante para él, la mendicidad, hasta el límite de acudir a un frustrado suicidio para librarse de una existencia que ya ha dejado de tener sentido. Pero, ¿¿Acaso no es la muerte la salida más sencilla?? ¿¿No es más duro el hecho de sobrevivir y enfrentarse un día más a una situación imposible?? Una verdad prístina y vigente. Finalmente, Murnau expone de modo irónico la tragedia de un portero de un lujoso hotel, un anciano orgulloso por su dedicación al trabajo en donde es respetado. De pronto, y sin mediar justificación alguna es derivado a encargado de los servicios sanitarios. Este individuo, privado de su trabajo y del elegante uniforme que lucía, intenta ocultar su nueva condición, pero su vida se desintegra lentamente ante la mirada injuriosa de la deshonra por perder el simbolismo del uniforme, objeto de orgullo y prestigio social, humillado en su dignidad como ser humano por una sociedad impía que no respeta el valor de la experiencia y la dedicación, ni siquiera el de la vejez. Esta película esta reconocida como una de las mejores de la historia en su género.

Pues bien creo que tenemos las condiciones precisas para poder empezar una sencilla argumentación tanto sobre el verdadero trasfondo de la película de Rob Reiner como de su refinada envoltura, la que con un inigualable papel de seda aterciopelada viste la incursión de dos de los más renombrados actores veteranos de Hollywood, y que nos propone una convocatoria forzada de aquellos que hemos seguido la carrera de Jack Nicholson y Morgan Freeman. Es decir, que con su sola presencia, estos magistrales actores nos extienden un certificado de garantía sea cual fuese la obra a poner en escena. Rob Reiner tuvo la destreza necesaria para encontrar el humor en temas emotivos y también mucha razón al interpretar correctamente que la compenetración establecida entre estos dos contradictorios compañeros de aventuras, es lo que le da un impulso sustancial a la trama. Es una especial combinación de humor y sentimiento. Se trata de una historia sobre como forjar la amistad desde lugares tan disímiles y del compromiso del amor para poder lograr lo posible y hasta lo inimaginado. También nos relata como poder descubrir lo que es y fue realmente importante en la vida cuando empiezas a pensar que la misma terminará algún día muy cercano. El film despierta reveladoras emociones y también agudas contradicciones, pero al mismo tiempo nos hace sonreír, con la condición que al final de la función llegas convencido que le robaste un mensaje importante sobre la verdadera condición humana. Aunque Nicholson y Freeman son como el agua y el detergente en lo que se refiere a temperamentos, ponen sobre sus espaldas el mayor peso de la película y lo hacen regalándonos su más esfuerzo que talento. Freeman decía antes de empezar la grabación que le atrae los tipos como Nicholson ya que sentía que tenían algo en común, a lo que Nicholson contestó, irónicamente, que lo que decía Freeman no era tan descabellado ya que efectivamente tenemos algo importante en común, somos unos ancianos septuagenarios filmando una película casi premonitoria. Reiner señalaba posteriormente, y con sumo acierto; que lo que importa realmente no son los lugares tradicionales que visitan ni las cosas que hacen o dejan de hacer, sino lo que sucede entre ellos en el transcurso de esta oportunidad que le brinda la vida de poder compartir una travesía juntos. Un día podrían estar conduciendo un Jeep en el Parque Nacional de Serengeti en Tanzania y sentados delante de una reputada pirámide al día siguiente, pero donde realmente se producen los cambios excitantes es en el constante devenir de sus conversaciones, y sobre todo de sus reflexiones individuales. Cada destino los obliga a examinar una nueva faceta de sus vidas. Admirando la grandiosidad del Taj Mahal, mausoleo construido por el emperador mongol Shahjahan, para su querida esposa, sus pensamientos se inclinan hacia el amor que han experimentado en sus propias vidas y lo que eso significa hoy en día para ellos. Más tarde, relajándose junto a la Gran Pirámide de Keops, Freeman reflexiona sobre la antigua creencia egipcia de que a todos se nos pedirá que demos cuenta de la finalidad con que asumimos nuestras vidas. Al igual que Nicholson y Freeman, a los espectadores puede que les atraiga momentáneamente cada nuevo sitio del cambiante paisaje en el que transcurre la propuesta pero sería más importante que se centren en el aspecto introspectivo del mismo, y así poder encontrar el mensaje que Reiner nos quiere endosar.

Y es justamente aquí donde quería llegar para centrar mi comentario. Sabemos que tanto Nicholson y Freeman son dos pacientes con enfermedades terminales, de caracteres y mundos completamente distintos. Nicholson, es un engreído millonario del negocio hospitalario, de gustos refinados y excéntricos como el consumo del mejor café del mundo, el Kopi Luwak y su envidiable proceso de elaboración, mientras que Freeman, es un modesto mecánico que se las sabe todas sobre el mundo de los fierros pero que no arriesga su prestigio y poco dinero, El primero con cuatro matrimonios a cuestas, y el segundo con una bien constituida familia que es su mayor orgullo. El destino los junta en el mismo cuarto de uno de los hospitales de Nicholson y ambos conviven a cara de perro hasta que llegan a conocerse, y ser amables por lógica convivencia. La misma escena se repite casi siempre mientras permanecen dentro del cuarto para dos, vale decir, apreciamos casi siempre a un Nicholson acelerado, histriónico y mal educado mientras que Freeman cumplirá con el rol del hombre tranquilo, culto y de modales refinados. Ambos consolidad su amistad, y Nicholson, al descubrir una lista secreta de su compañero, lo convence de hacer un último viaje alrededor del mundo y coleccionar un conglomerado de aventuras algo disparatadas que a ambos les hubiera gustado llevar a cabo pero que no pudieron hacer por múltiples razones. Nicholson no solo es el que correrá con los gastos sino es el propulsor de la espectacular travesía. La frase del convencimiento que utiliza Nicholson es contundente; “Son las cosas que no haces en la vida, las que luego más lamentas, no las que haces y disfrutas”. Ambos se dan cuenta que la muerte los espera con una infinita sonrisa siendo su desempeño actoral prolijo, sin contratiempos, sin abusar con exageración de un sentimentalismo que se podría justificar y hasta malinterpretar, con suma nobleza, y con credibilidad. La sensación de un constante sentido del humor navega bien controlada entre los diálogos y acciones que ambos llevan a cabo. Luego, salen del hospital, se pierden por los aires y suceden una gran variedad de hechos propios del último viaje de aventuras, desde saltar desde un avión vestidos con trajes de paracaidismo, conducir autos súper equipados a gran velocidad con un vértigo contagiante, visitar lugares históricos impresionantes e incluso tratar de escalar el portentoso Himalaya, y que los reconforta o molesta tal cual lo dicho anteriormente, es decir, por las charlas que ambos intercambian, las bromas que se hacen y por las reflexiones que cada cual hace del otro, y de sus propios sufrimientos. El final es conmovedor siendo la única parte que Nicholson obra con seriedad. Evidentemente no es una obra maestra, es una comedia-dramática que atrae y tiene serias limitaciones si la quisiéramos analizar. Pero esa no es ni debería ser la intención. Muy por el contrario, quiero destacar lo que considero como el verdadero fondo de la película y que Rob Reiner nos trata de mostrar con corrección apoyándose más en la parte argumental que en la visual dejando a sus dos estrellas deleitarse haciendo lo que saben hacer.

Cuando yo les hablaba de Kurosawa, De Sica y de Murnau quería darles a entender que el tratamiento cinematográfico que se le puede dar a los procesos de envejecimiento no se refleja preliminarmente en la parte física de los personajes sino en todo aquel estado de situaciones sociales y sobretodo psicoanalíticas que conforman e involucran a ese proceso. El hombre humilde y miserable de Kurosawa lucha sin claudicar por tratar de darle sentido al escaso tiempo que le queda de vida. Aún así surge de las entrañas de ese valiente un esperanzador sentimiento de aferrarse a la vida y la necesidad de utilizar el escaso tiempo vital del cual dispone de la manera más intensa posible. Estamos hablando de un drama real sin brotes de comedia. Es la humillante transición hacia la muerte. Luchar con sacrificio, como un verdadero Samurai, ante la adversidad que se aproxima. Ahí es donde este sujeto se entremezcla con el dolor, la impotencia, el fracaso, el recuerdo y la desesperanza. Pero al final todo se consuma sin ayuda ni soporte. Igual sucede con el hombre de De Sica. Intenta salvaguardar su dignidad como ser humano evitando la humillación de mendigar hasta el límite de acudir al suicidio sin concretarlo para librarse de una existencia que ya ha perdido su verdadera razón de ser. Desde que trata de evitar ser un mendigo hasta pensar y repensar la idea de auto eliminarse, el drama psicológico y el dilema social lo acompaña perturbador, a donde vaya. ¿¿Y si el intento de quitarse la vida falla entonces que es lo que tendría que pasar?? ¿¿Volver a situarse en contexto o abandonarse a la buena del Señor, esperando a la muerte como su invitada de honor?? Finalmente, pasa lo mismo pero en otros términos con el hombre de Murnau, un portero de un lujoso hotel, un anciano orgulloso de su trabajo y respetado por todos pero que es afrentado simplemente por envejecer. Es decir, hasta que punto el ser humano tiene que pasarse una vida de orgullo, sacrificio y de humildad, para canjear todo esto por un infeliz proceder que lo involucrará sin pausa en el sufrimiento por los suyos, el dolor del alma, la degradación moral, el olvido más cruel y la deshonra más humillante. Lo que le espera es la enfermedad, la destrucción de la familia y la muerte. Por eso es que los hombres de Kurosawa, de De Sica y de Murnau son exactamente iguales a los hombres de Reiner. No hay diferencia alguna. Su destino es irremediable. Todos están intimidados por la conciencia moral, social y psicológica. The Bucket List es más que una comedia con altas dosis de drama, una oportunidad para mostrarnos que es posible hacer cosas antes de que nos llegue el día final, que hay que luchar hasta lo último para no darse por vencido y que esta lucha es humana, y como tal, podremos vencer muchas veces pero solo bastará una para perderla. Es una buena película para divertirse pero también nos debería de servir para la reflexión y el actuar con dignidad ante nuestros semejantes que están viviendo esa etapa tan difícil que es la vejez. Seamos más humanos y comprensivos porque algún día nosotros llegaremos a sentir exactamente lo mismo. Hasta siempre.

Pepe Derteano

domingo, 17 de febrero de 2008

Premio Blogger del día para nuestro blog.


El día de hoy fui gratamente sorprendido. Me encontré en uno de los comentarios que mi amigo Sergio, creador del blog Corten!!!, me había concedido el Premio Blogger del día, por cierto en forma inmerecida ya que la edad de mi blog es tan solo de 45 días. A través de estas líneas le quiero dar mi agradecimiento más sincero a Sergio por haber elegido a mi blog como uno de sus preferidos lo que no hace más que alentarme y darme energía, y renovada vitalidad para un esfuerzo más constante. Así que ponerle ganas y garra para que nuestra pequeña comunidad cinéfila pueda seguir incrementándose y logremos divertirnos con el intercambio de comentarios e información.

Las reglas son las siguientes:

* Debe ser atribuido a los blogs que se consideren buenos y que uno acostumbra visitar regularmente y dejar comentarios e informaciones.

* Cuando se reciba el premio se debe escribir un post indicando quien fue la persona que te dio el premio y su respectivo link a ese blog.

* Una etiqueta al premio.

* Indicar siete (07) blogs que recibirán el premio.

* Se debe exhibir la etiqueta del premio, preferentemente con el link donde se habla de él.

* (Opcional) Si quieres dar publicidad a la criatura con demasiado tiempo libre para hacer el premio o quien tuvo la idea de inventar el premio, o sea
Skynet, el autor te va a estar muy agradecido.


Por lo tanto, “The day’s blog award goes to”:

SeSiOn d-i-s-c-o-n-t-i-n-u-a
Porque realizan comentarios serios, divertidos y tienen magníficos enlaces.
Cinempatía
Porque admiro las críticas de “El Fauno” y el talento de “Goethemola”.
Miradas de Cine
Porque las críticas son muy analíticas, sobre todo las de Souto Pacheco e Israel Paredes.
Otros cines
Porque tienen críticos y columnistas importantes que comentan y debaten con altura entre ellos mismos.
La Soga
Porque Alberto Servat es un buen crítico y sus informaciones son confiables y causan debate.
Cinevista
Porque me atrae la sinceridad y soltura de lo que escribe Sandra Ríos, y sus críticas -en gran medida- son opuestas a las mías.
CinesParaguay
Porque son novedosos y tienen criterio para el enfoque correcto de lo que es un comentario o una crítica.

Gracias y espero que sigan adelante cada vez más para que pueda seguir leyendolos y disfrutándolos.

Pepe Derteano

sábado, 16 de febrero de 2008

Premios “Oscar” a Mejores Actores Protagónicos 1927-2006


Continuando con las listas de premiaciones y la aproximación de los premios de la Academia, les he preparado la lista completa de los ganadores de éstos premios a Mejor Actor Principal. Espero que la disfruten.


2006
Forest Whitaker por “El Último rey de Escocia”
2005
Philip Seymour Hoffman por “Truman Capote”
2004
Jamie Foxx por “Ray”
2003
Sean Penn por “Mystic River”
2002
Adrien Brody por “El pianista”
2001
Denzel Washington por “Training Day”
2000
Russell Crowe por “Gladiator”
1999
Kevin Spacey por “American Beauty”
1998
Roberto Benigni por “La vida es bella”
1997
Jack Nicholson por “Mejor imposible”
1996
Geoffrey Rush por “Shine”
1995
Nicolás Cage por “Leaving Las Vegas”
1994
Tom Hanks por “Forrest Gump”
1993
Tom Hanks por “Philadelphia”
1992
Al Pacino por “Esencia de mujer”
1991
Anthony Hopkins por “El silencio de los corderos”
1990
Jeremy Irons por “El misterio Von Bulow”
1989
Daniel Day-Lewis por “Mi pie izquierdo”
1988
Dustin Hoffman por “Rain Man”
1987
Michael Douglas por “Wall Street”
1986
Paul Newman por “El color del dinero”
1985
William Hurt por “El beso de la mujer araña”
1984
F. Murray Abraham por “Amadeus”
1983
Robert Duvall por “Gracias y favores”
1982
Ben Kingsley por “Gandhi”
1981
Henry Fonda por “En el estanque dorado”
1980
Robert De Niro por “Toro salvaje”
1979
Dustin Hoffman por “Kramer contra Kramer”
1978
Jon Voight por “El regreso”
1977
Richard Dreyfuss por “La chica del adiós”
1976
Peter Finch por “Network, Un mundo implacable”
1975
Jack Nicholson por “Atrapado sin salida”
1974
Art Carney por “Harry and Tonto”
1973
Jack Lemmon por “Salvad al tigre”
1972
Marlon Brando por “El Padrino”
1971
Gene Hackman por “Contra el imperio de la droga”
1970
George C. Scott por “Patton”
1969
John Wayne por “Valor de ley”
1968
Cliff Robertson por “Charly”
1967
Rod Steiger por “En el calor de la noche”
1966
Paul Scofield por “Un hombre para la eternidad”
1965
Lee Marvin por “La ingenua explosiva”
1964
Rex Harrison por “Mi Bella dama”
1963
Sydney Poitier por “Los lirios del valle”
1962
Gregory Peck por “Matar a un ruiseñor”
1961
Maximilian Schell por “Juicio en Nuremberg”
1960
Burt Lancaster por “El fuego y la palabra”
1959
Charlton Heston por “Ben-Hur”
1958
David Niven por “Mesas separadas”
1957
Alec Guinness por “El puente sobre el río Kwai”
1956
Yul Brynner por “El rey y yo”
1955
Ernest Borgnine por “Marty”
1954
Marlon Brando por “La ley del silencio”
1953
William Holden por “Traidor en el infierno”
1952
Gary Cooper por “Solo ante el peligro”
1951
Humphrey Bogart por “La reina de África”
1950
José Ferrer por “Cyrano de Bergerac”
1949
Broderick Crawford por El político
1948
Laurence Olivier por “Hamlet”
1947
Ronald Colman por “Doble vida”
1946
Fredric March por “Los mejores años de nuestra vida”
1945
Ray Milland por “Días sin huella”
1944
Bing Crosby por “Siguiendo mi camino”
1943
Paul Lukas por “Watch on the Rhine”
1942
James Cagney por “Yanqui Doodle Dandy”
1941
Gary Cooper por “El sargento York"
1940
James Stewart por “Historias de Filadelfia”
1939
Robert Donat por “Adiós, Mr. Chips”
1938
Spencer Tracy por “Forja de hombres”
1937
Spencer Tracy por “Capitanes intrépidos”
1936
Paul Muni por “La tragedia de Louis Pasteur”
1935
Victor McLaglen por “El delator”
1934
Clark Gable por “Sucedió una noche”
1933
Charles Laughton por “La vida privada de Enrique VII”
1932
Wallace Beary por “El campeón”
1932
Frederic March por “El hombre y el monstruo”
1931
Lionel Barrymore por “Un alma libre”
1930
George Arliss por “Disraeli”
1929
Warner Baxter por “En el viejo Arizona”
1927 - 1928
Emil Jannings por “El destino de la carne y La última orden”

Premios “Oscar” a Mejores Actrices protagónicas 1927-2006


Continuando con las listas de premiaciones y la aproximación de los premios de la Academia, les he preparado la lista completa de las ganadoras de éstos premios a Mejor Actriz Principal. Espero que la disfruten.

2006
Helen Mirren por “The Queen”
2005
Reese Witherspoon por “En la cuerda floja”
2004
Hilary Swank por “Million Dollar baby”
2003
Charlize Theron por “Monster”
2002
Nicole Kidman por “Las horas”
2001
Halle Berry por “Monster's Ball”
2000
Julia Roberts por “Erin Brockovich”
1999
Hilary Swank por “Boys Don't Cry”
1998
Gwyneth Paltrow por “Shakespeare in Love”
1997
Helen Hunt por “Mejor... imposible”
1996
Frances McDormand por “Fargo”
1995
Susan Sarandon por “Pena de muerte”
1994
Jessica Lange por “Blue Sky”
1993
Holly Hunter por “El piano”
1992
Emma Thompson por “Regreso a Howards End”
1991
Jodie Foster por “El silencio de los corderos”
1990
Kathy Bates por “Misery”
1989
Jessica Tandy por “Paseando a Miss Daisy”
1988
Jodie Foster por “Acusados”
1987
Cher por “Hechizo de luna”
1986
Marlee Matlin por “Hijos de un dios menor”
1985
Geraldine Page por “Regreso a Bountiful”
1984
Sally Field por “En un lugar del corazón”
1983
Shirley MacLaine por “La fuerza del cariño”
1982
Meryl Streep por “La decisión de Sophie”
1981
Katharine Hepburn por “En el estanque dorado”
1980
Sissy Spacek por “Quiere ser libre”
1979
Sally Field por “Norma Rae”
1978
Jane Fonda por “El regreso”
1977
Diane Keaton por “Annie Hall”
1976
Faye Dunaway por “Networw”
1975
Louise Fletcher por “Atrapado sin salida”
1974
Ellen Burstyn por “Alicia ya no vive aquí”
1973
Glenda Jackson por “Un toque de distinción”
1972
Liza Minnelli por “Cabaret”
1971
Jane Fonda por “Klute”
1970
Glenda Jackson por Mujeres enamoradas
1969
Maggie Smith por “Los mejores años de Miss Brodie”
1968
Katharine Hepburn por “El león en invierno” y
Barbra Streisand por “Funny Girl”
1967
Katharine Hepburn por “Adivina quién viene a cenar esta noche”
1966
Elizabeth Taylor por “¿Quién teme a Virginia Woolf?”
1965
Julie Christie por “Darling”
1964
Julie Andrews por “Mary Poppins”
1963
Patricia Neal por “Hud”
1962
Anne Bancroft por “El milagro de Ana Sullivan”
1961
Sophia Loren por “Dos mujeres”
1960
Elizabeth Taylor por “Una mujer marcada”
1959
Simone Signoret por “Un lugar en la cumbre”
1958
Susan Hayward por “Quiero vivir”
1957
Joanne Woodward por “Las tres caras de Eva”
1956
Ingrid Bergman por “Anastasia”
1955
Anna Magnani por “La rosa tatuada”
1954
Grace Kelly por “La angustia de vivir”
1953
Audrey Hepburn por “Vacaciones en Roma”
1952
Shirley Booth por “Come Back, Little Sheba”
1951
Vivien Leigh por “Un tranvía llamado deseo”
1950
Judy Holliday por “Nacida ayer”
1949
Olivia de Havilland por “La heredera”
1948
Jane Wyman por “Belinda”
1947
Loretta Young por “Un destino de mujer”
1946
Olivia de Havilland por “La vida íntima de Julia Norris”
1945
Joan Crawford por “Alma en suplicio”
1944
Ingrid Bergman por “La luz que agoniza”
1943
Jennifer Jones por “La canción de Bernadette”
1942
Greer Garson por “La señora Miniver”
1941
Joan Fontaine por “Sospecha”
1940
Ginger Rogers por “Espejismo de amor”
1939
Vivien Leigh por “Lo que el viento se llevó”
1938
Bette Davis por “Jezabel”
1937
Luise Rainer por “The Good Earth”
1936
Luise Rainer por “El gran Ziegfeld”
1935
Bette Davis por “Peligrosa”
1934
Claudette Colbert por “Sucedió una noche”
1933
Katharine Hepburn por “Gloria de un día”
1932
Helen Hayes por “The Sin of the Madelon Claudet”
1931
Marie Dressler por “Fruta amarga”
1930
Norma Shearer por “La divorciada”
1929
Mary Pickford por “Coquette”
1927 - 1928
Janet Gaynor por “El séptimo cielo”

viernes, 15 de febrero de 2008

Premios BAFTA – Mejor Actor Protagónico 1968-2007




2007
Daniel Day-Lewis – “There will be Blood” ( Fotografía )
2006
Forest Withekar – “El Último rey de escocia” ( Fotografía )
2005
Philip Seymour Hoffman – “Capote”
2004
Jamie Foxx – “Ray”
2003
Bill Murray – “Lost in translation”
2002
Daniel Day-Lewis – “Gangs of New York”
2001
Russell Crowe – “Una mente maravillosa”
2000
Jamie Bell – “Billy Elliot”
1999
Kevin Spacey – “American Beauty”
1998
Roberto Benigni – “La vida es bella”
1997
Robert Carlyle – “Full Monty”
1996
Geoffrey Rush – “Shine”
1995
Nigel Hawthorne – “La locura del rey Jorge”
1994
Hugh Grant – “Cuatro bodas y un funeral”
1993
Anthony Hopkins – “Lo que queda del día”
1992
Robert Downey Jr. – “Chaplin”
1991
Anthony Hopkins – “El silencio de los corderos”
1990
Philippe Notre – “Cinema Paradiso”
1989
Daniel Day-Lewis – “Mi pie izquierdo”
1988
John Cleese – “Un pez llamado Wanda”
1987
Sean Connery – “En nombre de la rosa”
1986
Bob Hoskins – “Mona Lisa”
1985
William Hurt – “El beso de la mujer araña”
1984
Haing S. Ngor – “Los gritos del silencio”
1983
Michael Caine – “Educando a Rita”
Dustin Hoffman – “Tootsie”
1982
Ben Kingsley – “Gandhi”
1981
Burt Lancaster – “Atlantic City”
1980
John Hurt – “El hombre elefante”
1979
Jack Lemmon – “El síndrome de China”
1978
Richard Dreyfuss – “La chica del adiós”
1977
Peter Finch – “Network, Poder que mata”
1976
Jack Nicholson – “Atrapado sin salida”
1975
Al Pacino – “El Padrino II” y “Tarde de perros”
1974
Jack Nicholson – “Chinatown” y “El último deber”
1973
Walter Matthau – “Risas y Lágrimas” y “La gran estafa”
1972
Gene Hackman – “French connection” y “La aventura del Poseidón”
1971
Peter Finch – “Domingo, maldito Domingo”
1970
Robert Redford – “Butch Cassidy and the Sundance Kid” y “El valle del fugitivo”
1969
Dustin Hoffman – “Cowboy de medianoche” y “John y Mary”
1968
Spencer Tracy – “Adivina quién viene a cenar esta noche”


Pepe Derteano

Premios BAFTA – Mejor Actriz Protagónica 1968-2007




2007
Marion Cotillard – “La Vida en Rosa” ( Fotografía)
2006
Helen Mirren – “La Reina” ( Fotografía )
2005
Reese Witherspoon – “En la cuerda floja”
2004
Imelda Staunton – “El secreto de Vera Drake”
2003
Scarlett Johansson – “Lost in translation”
2002
Nicole Kidman – “Las horas”
2001
Judi Dench – “Iris”
2000
Julia Roberts – “Erin Brockovich”
1999
Annette Bening – “American Beauty”
1998
Cate Blanchett – “Elizabeth”
1997
Judi Dench – “Su majestad Mrs. Brown”
1996
Brenda Blethyn – “Secretos y mentiras”
1995
Emma Thompson – “Sentido y sensibilidad”
1994
Susan Sarandon – “El cliente”
1993
Holly Hunter – “El piano”
1992
Emma Thompson – “Regreso a Howards End”
1991
Jodie Foster – “El silencio de los corderos”
1990
Jessica Tandy – “Paseando a Miss Daisy”
1989
Pauline Collins – “Shirley Valentine”
1988
Maggie Smith – “La solitaria pasión de Judith Hearne”
1987
Anne Bancroft – “La carta final”
1986
Maggie Smith – “Una habitación con vistas”
1985
Peggy Ashcroft – “Pasaje a la India”
1984
Maggie Smith – “Función privada”
1983
Julie Walters – “Educando a Rita”
1982
Katharine Hepburn – “En el estanque dorado”
1981
Meryl Streep – “La mujer del teniente francés”
1980
Judy Davis – “Mi brillante carrera”
1979
Jane Fonda – “El síndrome de China”
1978
Jane Fonda – “Julia”
1977
Diane Keaton – “Annie Hall”
1976
Louise Fletcher – “Atrapado sin salida”
1975
Ellen Burstyn – “Alicia ya no vive aquí”
1974
Joanne Woodward – “Deseos de verano, sueños de invierno”
1973
Stephane Audran – “El discreto encanto de la burguesía” y “Al anochecer”
1972
Liza Minnelli – “Cabaret”
1971
Glenda Jackson – “Domingo, maldito domingo”
1970
Katherine Ross – “El valle del fugitivo” y “Butch Cassidy and the Sundance Kid”
1969
Maggie Smith – “Los mejores años de Miss Brodie”
1968
Katharine Hepburn – “El león en invierno” y “Adivina quien viene a cenar esta noche”

Pepe Derteano


miércoles, 13 de febrero de 2008

Premios BAFTA 2007, la antesala a los Oscar












Los galardones BAFTA 2007, concebidos anualmente para reconocer, honrar, premiar y estimular a las personalidades por logros sobresalientes en las producciones cinematográficas elaboradas y exhibidas con plena libertad de expresión y de pensamiento, en las salas de los cines de todo el mundo, fueron anunciados y entregados en una deslumbrante y majestuosa ceremonia conducida por el anfitrión Jonathan Ross y realizada en el Royal Opera House de Londres, el domingo 10 de febrero de 2007.

Los Ganadores fueron los siguientes;

Mejor Película del Año: "Atonement”

Mejor Película Británica del Año: “This is England”

Mejor Película en lengua extranjera: "La vida de los otros"

Mejor Película Animada: “Pisto” de Brad Bird

Mejor Director: Joel y Ethan Coen por "No Country for Old Men"

Mejor Actor principal: Daniel Day-Lewis, por "There will be Blood"

Mejor Actriz principal: Marion Cotillard, por "La vida en rosa"

Mejor Actor de reparto: Javier Bardem por "No Country for Old Men"

Mejor Actriz de reparto: para Tilda Swinton por "Michael Clayton”

Mejor Guión original: Diablo Cody por "Juno".

Mejor Edición o Montaje: "El ultimátum de Bourne" de Christopher Rouse

Mejor Diseño de Producción: “Atonement” de Sarah Greenwood y Katie Spencer

Mejor Cinematografía: “No Country for Old Men” de Roger Deakins

Mejor Guión adaptado:"La Escafandra y la Mariposa", de Ronald Harwood.

Mejor Banda sonora: "La vida en rosa" de Christopher Gunning

Mejor Vestuario: "La vida en rosa" de Marit Allen

Mejor Maquillaje y Cabello: “La vida en rosa” de Jan Archibald y Didier Lavergne

Mejores Efectos especiales: "La brújula dorada", dirigida por Chris Weitz.

Mejor Sonido: "El ultimátum de Bourne", de Kirk Francis, Scott Millan y demás.

Mejor Corto de Animación: “Las Hermanas Pearce” de Jo Allen y Luís Cook.

Mejor Cortometraje: “Perro en total” de Diarmid Scrimshaw y Paddy Considine.

Premio Carl Foreman: Matt Greenhalgh por escribir “Control”.

Premio al mérito y trayectoria 2007: Sir Anthony Hopkins.

Premios BAFTA de la Academia Británica


Con motivo de la próxima edición de los premios Oscar pongo a vuestra consideración en el blog, el listado oficial de las películas ganadoras de los premios BAFTA. Este premio está dentro de los 03 galardones más importantes a nivel mundial que se entrega a las mejores producciones cinematográficas así como a las diferentes categorías que incluyen actores, actrices, directores, guionistas etc. Más adelante haremos un resumen de las categorías ganadoras del año 2007. A continuación una breve reseña histórica.

La Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión, BAFTA (British Academy of Film and Television Arts), es una organización que reúne a las personalidades de las industrias cinematográfica, televisiva y de los videojuegos en el Reino Unido. La Academia está compuesta por aprox. 6,500 miembros cuyo objetivo es el reconocimiento y la motivación para inspirar a aquellos que se dedican a trabajar en el Cine, la Televisión o el mundo de los Videojuegos. Los premios BAFTA se crearon en 1947 y su primera ceremonia oficial de premiación se realizó el 16 de abril de ese mismo año en el Hyde Park Hotel de Londres. Su primer presidente fue el renombrado director de Cine David Lean. Once años después, en 1958, la Academia de Cine Británica se fusionó con el Gremio de Productores y Directores de Televisión para formar la Sociedad de Artes de Cine y Televisión. David Lean donó parte de las regalías de sus filmes “El Puente Sobre El Río Kwai” y “Doctor Zhivago” a la Sociedad y estos sirvieron como una valiosa fuente de capital de trabajo en sus primeros años. Su Majestad La Reina Isabel tomó la decisión de aportar también las regalías del documental realizado a la familia real en sociedad, a principios de los setentas lo que permitió a la Sociedad pasar de una oficina en la calle Great Portland a la Casa Piccadilly, que se convirtió en el lugar de reunión para los miembros de la Sociedad. En 1976, se realizó la apertura de la nueva sede institucional con la asistencia de su Majestad la Reina Isabel, su Alteza Real el Duque de Edimburgo, su Alteza Real, la Princesa Ana y el Conde Mountbatten de Birmania. La Sociedad se convirtió oficialmente conocida como La Academia Británica de Artes de Cine y Televisión, BAFTA.

Esta Asociación concede anualmente sus premios para reconocer a todos aquellos que han contribuido con su trabajo creativo al avance de la cinematografía Británica. Al coincidir muchos de sus miembros con sus colegas Académicos con derecho a voto en los premios Oscar, las candidaturas de ambos galardones suelen coincidir con lo cual se convierten en una buena piedra angular de referencia para la ceremonia de Academia Norteamericana. La Estatuilla que otorga la BAFTA consiste en una escultura diseñada por el artista Mitzi Cunliffe y representa una máscara, el símbolo tradicional del teatro y la tragicomedia.


Listado de Premios BAFTA Mejor Película

2007
“Atonement” de Joe Wright - Reino Unido
2006
“La Reina” de Stephen Frears - Reino Unido
2005
“Brokeback Mountain” de Ang Lee - USA
2004
“El Aviador” de Martín Scorsese - USA
2003
“El Señor de los Anillos III”* de Peter Jackson – USA
2002
“El Pianista” de Román Polanski – Francia, Alemania, Reino Unido y Polonia
2001
“El Señor de los Anillos II” de Peter Jackson - USA
2000
“Gladiador”* de Ridley Scott - USA
1999
“American Beauty”* de Sam Mendes - USA
1998
“Shakespeare in love”* de John Madden - USA y Reino Unido
1997
“Full Monty” de Peter Cattaneo - Reino Unido
1996
“El Paciente inglés”* de Anthony Minghella - USA
1995
“Sentido y sensibilidad” de Ang Lee - Reino Unido
1994
“Cuatro bodas y un funeral” de Mike Newell - Reino Unido
1993
“La Lista de Schindler”* de Steven Spielberg - USA
1992
“Regreso a Howards End” de James Ivory - Reino Unido
1991
“The Commitments” de Alan Parker - USA
1990
“Buenos Muchachos” de Martín Scorsese – USA
1989
“La Sociedad de los poetas muertos” de Peter Weir - USA
1988
“El Último emperador”* de Bernardo Bertolucci - Francia
1987
“Jean de Florette” de Claude Berri - Francia
1986
“Una habitación con vistas” de James Ivory - Reino Unido
1985
“La Rosa púrpura de El Cairo” de Woody Allen - USA
1984
“Los Gritos del silencio” de Roland Joffé - Reino Unido
1983
“Educando a Rita” de Lewis Gilbert - Reino Unido
1982
“Gandhi”* de Richard Attenborough - Reino Unido e India
1981
“Carros de fuego”* de Hugh Hudson - Reino Unido
1980
“El Hombre elefante” de David Lynch - USA
1979
“Manhattan” de Woody Allen - USA
1978
“Julia” de Fred Zinnemann - USA
1977
“Annie Hall”* de Woody Allen - USA
1976
“Atrapado sin salida”* de Milos Forman - USA
1975
“Alicia ya no vive aquí” de Martín Scorsese – USA
1974
“Lacombe Lucien” de Louis Malle – Francia, Italia y RFA
1973
“La Noche americana” de François Truffaut – Francia e Italia
1972
“Cabaret” de Bob Fosse - USA
1971
“Domingo, maldito domingo” de John Schlesinger - Reino Unido
1970
“Butch Cassidy and The Sundance Kid” de George Roy Hill - USA
1969
“Cowboy de medianoche”* de John Schlesinger - USA
1968
“El Graduado” de Mike Nichols - USA
1967
“Un Hombre para la eternidad”* de Fred Zimmermann - Reino Unido
1966
“¿Quién teme a Virginia Woolf?” de Mikel Nichols - USA
1965
“My Fair Lady”* de George Cukor - USA
1964
“Dr. Strangelove” de Stanley Kubrick - Reino Unido
1963
“Tom Jones”* de Tony Richardson - Reino Unido
1962
“Lawrence de Arabia”* de David Lean - Reino Unido
1961
“Balada de un soldado” de Grigori Chukhrai - U.R.S.S y
“El Buscavidas” de Robert Rodeen - USA
1960
“El Apartamento”* de Billy Wilder - USA
1959
“Ben-Hur”* de William Wyler - USA
1958
“Un Lugar en la cumbre” de Jack Clayton - Reino Unido
1957
“El Puente sobre el río Kwai”* de David Lean - Reino Unido
1956
“Gervaise” de René Climent - Francia e Italia
1955
“Richard III” de Laurence Olivier - Reino Unido
1954
“The Wages of Fear” de Henri-Georges Clouzot – Francia e Italia
1953
“Forbidden Games” de René Clément - Francia
1952
“La barrera del sonido” de David Lean - Reino Unido
1951
“La Ronda” de Max Ophuls - Francia
1950
“Eva al desnudo”* de Joseph L. Mankiewicz - USA
1949
“El Ladrón de bicicletas” de Vittorio De Sica - Italia
1948
“Hamlet”* de Laurence Olivier - Reino Unido
1947
“Los Mejores años de nuestras vidas”* de William Wyler - USA



* Los Largometrajes señalados con un asterisco significan coincidencia con los ganadores de los Premios “Oscar” a Mejor Película. Hay que señalar que los premios BAFTA han premiado 29 veces a films norteamericanos y solamente a 18 de sus propias producciones. Esto acaba con el mito y la mentira de la inclinación de sus votantes a películas solamente producidas en el Reino Unido.

lunes, 11 de febrero de 2008

“Michael Clayton”, entre el dilema moral y el poder oculto.
















“Michael Clayton”, es un polémico thriller legal que ha sido nominado nada menos que en siete categorías de los galardones que otorga la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas en su octogésimo aniversario. Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor protagónico, Mejor Actor y Actriz de reparto, Mejor Guión original y Mejor Partitura musical, respaldan las preferencias de los votantes autorizados de la Academia y que la han convertido, sin lugar a dudas, en una de las producciones más recomendables para visionar y analizar con detenimiento. He recibido algunas opiniones de amigos cercanos que me han expresado su desencanto por el film ya que lo consideran como bastante extraño, de una trama confusa tanto al principio como en el final además de compleja y de una engorrosa formulación para poder meterse de lleno en la misma; sin embargo a otros les pareció un film inteligentemente construido que logra retratar acertadamente la historia de un sujeto muy particular con una personalidad trastocada y con una evidente crisis de existencialismo. Son dos posiciones respetables y comprensibles pero estoy convencido que existen algunas consideraciones estrictamente de tipo cinematográfico para que esta película haya podido no solo tener una abrumadora cantidad de nominaciones por parte de la Academia sino que ha sido bien recibida por la crítica especializada norteamericana la misma que no se caracteriza por el obsequio de halagos sin justificación conceptual y técnica que los amerite.

Antes de empezar mi reseña y posterior comentario acerca del film, quiero tomarme la atribución de deleitarme imaginando, con una prudente dosis de ironía y provocación, a los más influyentes directivos de corporaciones poderosas, no necesariamente buffets de abogados, sumamente incómodos y pensativos intentando explicarse quien es verdaderamente su “Micheal Clayton” de turno, un eficaz instrumento que les entrega un abnegado servicio en la limpieza del excremento que deja algún tipo de conflicto considerable con la justicia y que se encuentre atascado entre la inmoralidad y la alcantarilla, o en todo caso, que empezarán a buscar alguno de estos educados y correctamente indumentados “porteros, fixers o basureros”, como Clayton (Clooney) se lo menciona a Edens (Wilkinson), a quienes lo someterán con una depurada habilidad estratégica a formar parte del sistema que todo lo sabe y todo lo puede pero que no le permitirá de manera alguna escaparle al bulto y mucho menos acceder a la redención de sus pecados, más aún cuando en la actualidad la humanidad está sometida a un liberalismo absolutamente inclemente, brutal e intimidador. Como no se va a justificar a los Micheal Clayton o “Arregladores” en estos tiempos de penumbra moral en donde los supremos e intocables intereses de las grandes corporaciones transnacionales se fundamentan, ya no en la creación de nuevos proyectos empresariales acompañados de una misión social y cultural, sino en la compra indiscriminada de otras compañías que no pueden mantenerse en competencia y que se ven en la obligación de vender o morir cediendo sin resistencia posible ante esos gigantescos monstruos del capitalismo más voraz y codicioso, cuyas enfermizas mentes que lo sostienen siempre se encontrarán en sospecha permanente pero ingeniosamente envueltos y arropados dentro del poder de un sistema oculto lleno de pestilentes triquiñuelas legales que los hace invisibles ante su irremediable autodestrucción y la de los millones de gentes cuya vida y futuro dependen de tan miserable degeneración y mutilación de los valores más esenciales.

Pues bien, voy a tratar de relacionar esta cinta con algún escritor prolífico y reconocido de la literatura novelística legal judicial, algún prestigioso director de estilo del mismo género o con apreciados largometrajes que puedan eventualmente parecerse o tener alguna historia en común. El objetivo es tratar de buscar en el pasado alguna referencia que valide la argumentación al comentario que haremos. Puede parecer hasta insoportable el hacerlo pero es de vital importancia ir a las fuentes naturales para beber copiosamente los porqués e ir construyendo con una visión panorámica esta pretenciosa apuesta.

Existen muy buenos títulos que seguramente podrán recordarse porque justamente se envuelven y desenvuelven tanto en el desarrollo de una trama estrictamente judicial así como en el tratamiento moral, existencial y psicológico de sus personajes agregando siempre alguna mínima ración de textura policíaca. Aquí les expongo algunos de los mismos, “Acción Civil”, de Steven Zaillian, 1998, con John Travolta y Robert Duvall, “Tiempos Violentos”, de Quentin Tarantino, 1994, con Harvey Keitel y John Travolta, “Algunos Hombres Buenos”, de Rob Reiner, 1993, con Tom Cruise, Jack Nicholson y Demi Moore, “Acción Judicial”, de Michael Apted, 1991, con Gene Hackman y Mary Elizabeth Mastrantonio, “El Abogado del Diablo”, de Taylor Hackford, 1997, con Al Pacino y Keanu Reeves, “El Dilema”, de Micheal Mann, 1999, con Al Pacino y Russell Crowe, “Justicia para todos”, de Norman Jewison, 1979, con Al Pacino y Jack Warden, “La Conversación”, de Francis Ford Coppola, 1974, con Gene Hackman, “El Último testigo”, de Alan Pakula, 1974, con Warren Beatty, “Matar a un Ruiseñor”, de Robert Mulligan, 1962, con Gregory Peck y Ed Begley, etc.

Uno de los directores de cine especializado en el tratamiento de la trama judicial y policíaca confluyéndola con la fortaleza psicológica de sus personajes y que marcó una tendencia muy significativa hacia los dramas de protesta o denuncia en la década de los setenta, es el prestigioso y experimentado Sydney Lumet, ganador del Oscar a mejor director con su film “Network, Poder que mata” en 1975 y que ha realizado varias y muy reconocidas películas de contexto como, “Doce hombres sin piedad”, 1957, con el gran Henry Fonda y Martín Balsam, su ópera prima y un auspicioso debut cinematográfico como realizador, “Supergolpe en Manhattan”, 1971, con Sean Connery, “Serpico, 1973, con Al Pacino, “Asesinato en el Oriente Expreso”, 1974, con Ingrid Bergman y Albert Finney, “Tarde de perros”, 1975, con Al Pacino, “Network, Poder que mata”, 1976, con Peter Finch, Faye Dunaway y William Holden, “Veredicto Final, 1982, con Paul Newman, Jack Warden y Charlotte Rampling“, a Newman le deben más que una disculpa por el robo que le hizo la Academia en ese año, le dieron el Oscar a Ben Kingsley por “Gandhi”, “Un lugar en ninguna parte”, 1988, con Judd Hirsch, Christine Latí y el tempranamente desaparecido River Phoenix, una imperdible pequeña obra de arte, “Distrito 34: corrupción total” 1990, con Nick Nolte y Armand Assante, “Declárame culpable”, 2006, con Vin Diesel y “Antes que el Diablo sepa que has muerto”, 2007, con Phillip Seymor Hoffman y Ethan Hawke, esta última una muy buena película lamentablemente postergada. Se distingue en la obra del maestro Sydney Lumet el dotar a sus películas básicamente de personajes con muy fuertes perfiles psicológicos, historias liberales relatadas con limpieza y congruencia plagadas de un dramatismo intenso y realista cuyos límites morales están dibujados en forma armoniosa sin prejuicios ni exageradas complicaciones.

En lo referente a un escritor del género legal judicial, el más reconocido, por lo menos para este servidor, es John Grisham quien antes de convertirse en un destacadísimo autor de bestsellers se graduó en Derecho en la Universidad de Mississippi, trabajó durante dos legislaturas en la Cámara de representantes de Mississippi y ejerció la abogacía como defensor de criminales en el fuero penal. El resultado de su formación profesional y de esa práctica en los ambientes políticos y judiciales son justamente sus novelas, muchas de las cuales se han llevado con éxito a la pantalla grande. Sus obras han obtenido cifras récord de ventas en todo el mundo. En 1994, sólo en Estados Unidos, se vendieron más de diez millones de ejemplares. Los bestsellers llevados al cine con muy buena aceptación son; “Tribunal en Fuga”, de Gary Fleder (2003) con Gene Hackman y John Cusack, “Conflicto de intereses”, de Robert Altman (1997) con Kenneth Branagh y Embeth Davidtz, “Legítima defensa”, de Francis Ford Coppola (1997) con Matt Damon y Danny Devito, “Cámara de Gas”, de James Foley (1996) con Gene Hackman y Chris O'Donnell, “Tiempo de matar”, de Joel Schumacher (1996) con Sandra Bullock y Matthew McConaughey, “El Cliente”, de Joel Schumacher (1994) con Susan Sarandon y Tommy Lee Jones, “Causa Justa”, de Arne Glimcher (1994) con Sean Connery y Lawrence Fishburne, “El Informe Pelícano”, de Alan Pakula (1993) con Denzel Washington y Julia Roberts y finalmente “La tapadera” o “The Firm”, con las actuaciones de Gene Hackman y Tom Cruise (1993), película dirigida por Sydney Pollack, quien actúa con solvencia y corrección como Marty Bach, el socio principal del poderoso estudio jurídico “Kenner, Bach y Leeden” donde trabaja Micheal Clayton y que también co-produce el largometraje junto a Clooney, Steven Soderbergh, Holt, Anthony Minghella, Jennifer Fox, Samuels y Orent. Cabe recordar que Sydney Pollack es al igual que su tocayo Sydney Lumet, un muy prestigioso director de cine también premiado por la Academia como mejor director en 1985 por su película “Memorias de África” en donde actúan Robert Redford y Meryl Streep y que también se adjudicó el Oscar a Mejor película en ese mismo año. Es miembro fundador del Sundance Institute junto a Redford, presidente emérito de la Cinemateca Americana, uno de los fundadores de The Film Foundation del Sindicato de Directores de América. Las películas de Pollack, como realizador o productor ejecutivo, han sido nominadas por la Academia más de sesenta veces en diferentes categorías. Ha sido galardonado con el premio de la crítica de Nueva York por “Tootsie” (1982), el premio David di Donatello por “Los tres días del cóndor”, el premio de la Sociedad Nacional de críticos, el premio al Mejor Realizador del año de la OTAN, además de ganar premios en los festivales de Bruselas, Belgrado, San Sebastián y Moscú. Ha sido nada menos que Presidente del jurado del Festival de Cannes, y Francia lo nombró “Comandante de la Orden de las Artes y las Letras”. Ha producido entre otros conocidos y recordados largometrajes; “Ausencia de Malicia”, “Habana”, “Danzad malditos danzad”, “Yakuza”, “Un instante una Vida”, “Ojos bien cerrados”, “Tootsie”, “Tal como éramos”, “Presunto inocente”, “Los fabulosos Baker Boys”, “En busca de Bobby Fisher”, “Sentido y sensibilidad”, “El talentoso Mr. Ripley”, “Cold Mountain” etc. Es decir, estamos ante todo un personaje que cuando elabora un proyecto cinematográfico tiene infinitas razones para convertirlo en toda una posibilidad de éxito.

Pues bien, hasta acá tenemos los perfiles medianamente definidos y la información mínima necesaria para poder elaborar un comentario que nos lleve a una explicación coherente del porqué “Micheal Clayton” es una película considerada como una de las cinco mejores puestas en escena del año 2007. Claramente notamos que no es un capricho de los casi 6,000 miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas el haberla cotizado de la manera en la que lo han hecho. Empezaré desarrollando entonces un concepto básico que va a determinar el soporte adecuado de nuestra hipótesis. Tony Gilroy, prolífico guionista de la taquillera franquicia “Bourne” y co-guionista junto a Jonathan Lemkin en “EL Abogado del Diablo”, 1997, hace su debut como director rodeado de una de las más consistentes, envidiables y exitosas élites de la producción cinematográficas de Hollywood; luminarias profesionales de la talla, talante y genialidad de Sydney Pollack, Anthony Minguella, Steven Soderbergh y George Clooney como productores del film, y actores de un extraordinario nivel interpretativo como los británicos Tom Wilkinson y Tilda Swinton además del mismo Clooney, quien ha tenido una evolución actoral muy sólida y auspiciosa, son razones más que poderosas para que la ópera prima de Tony Gilroy tenga los cimientos adecuados y deba proyectarse como una sugestiva posibilidad de acierto. Si a este impresionante reparto de especialistas en materia fílmica le agregamos algunos detalles nada menores como que su hermano John Gilroy es el montajista o editor de la película, ambos son hijos del afamado dramaturgo y realizador Frank D. Gilroy, ganador de un premio Pulitzer, y el mismo director de la cinta es el responsable de la elaboración del guión, nuestra hipótesis queda confirmada sin lugar para discusión. La presentación en sociedad del largometraje “Micheal Clayton” llega a ser un cabal acontecimiento fílmico que llama la atención de todos a quienes nos interesa involucrarnos decididamente en lo profundo y lo sustancioso del cine. George Bulwer-Lytton tiene una frase sobre la genialidad y el talento que quisiera rescatar al referirme al trabajo de Tony Gilroy, “El genio hace lo que debe y el talento lo que puede”. Si existe alguien a quien pareciera imitar Tony Gilroy como guionista es al genial David Mamet, el maestro del juego del dialogo. Mamet es un dramaturgo inconmensurable, “Verdadero y Falso”, guionista exponencial y productor de películas experimentales las que ha escrito y han merecido críticas de todo calibre incluso con publicación de libros sobre su singular aporte al cine. Solamente quisiera acotar que Mamet ha hecho del diálogo una suerte de infinitas preocupaciones e inmensas inquietudes sobre problemas de hondo calado existencial como el engaño, la agresividad, la desconfianza y la contradicción como metáforas de la vida misma. Uno de sus ejemplos más brillantes es el guión de la película de James Foley, “Glen, Gary, Glen and Ross” en donde la exquisitez y dureza de los diálogos de Glen (Al Pacino), Gary (Ed Harris), Glen (Alan Arkin) y Ross (Jack Lemon) son representativos de su propio conflicto personal. Mamet estructura el guión utilizando a estos cuatro hombres desolados, fracasados y sin esperanza; todos enfermos con el Mal de Tourette, esa confusa dolencia que hace decir barbaridades sin control posible y de una forma extremadamente hiriente. Cuando los cuatro creían que para ellos era el fin, entra en sus vidas un brutal doctor (Alec Baldwin) que les dará un nuevo significado a sus vidas. Por lo tanto, mi entender es que Mamet es el genio manifiesto que hace lo que debe y Gilroy es el talento inspirador que hace lo que puede.

“Micheal Clayton” es una muy buena película cuya estructura angular se nutre sustantivamente de la inmensa calidad de los diálogos magistralmente configurados por el Tony Gilroy guionista y la correcta exposición de la intimidad desoladora de los tres actores principales la misma que son reforzadas por imágenes muy elocuentes y perfectamente ensambladas con lo que representa la degradación del ser humano como tal, su inclemente fatalidad y su miserable e irracional comportamiento para con su propio futuro sin rumbo a la vista pero que está siempre a merced del fantasma que representa el poder del sistema que los absorbe sin mediar deserción alguna y por la pérdida de la libertad individual de la persona que se somete racionalmente a los mandatos abstractos de una relación de brutal dependencia para con una poderosa y corrupta corporación. El verdadero epicentro narrativo de este film no está precisamente en la parte de la trama que nos presenta a la invencible U/North como la gran culpable de haber intoxicado a un centenar de granjeros debido a la venta de veneno en forma indiscriminada, ni siquiera en el drástico cambio de personalidad de un célebre abogado magistralmente interpretado por Tom Wilkinson que pierde sorpresivamente la cordura en una sesión durante la antesala del juicio donde se retractará y por fin logrará inmolarse al destapar a la corporación que defendió durante años, mucho menos en la controversial y fallida búsqueda que hace Micheal Clayton para poder entender y ayudar al verdadero amigo e incluso tener que sacarlo del caso si era necesario, que le dice su verdad más allá de su actitud como un perfecto maniaco depresivo. Tony Gilroy, el director, nos cuenta una historia con una solvencia admirable y si bien es cierto nos propone un comienzo incierto y algo confuso luego del relato en off de casi cuatro minutos, éste es clave en el desarrollo de la historia.

Este mensaje dirigido a Clayton le señala con contundencia el estado de ánimo que lo embargaba a Wilkinson y lo alerta sobre el problema en ciernes, señalando entre otras memorables y lúcidas incoherencias, lo siguiente; Michael, sé que el recorrido ha sido largo y tedioso, por favor espérame y escúchame, esta no es otra de mis recaídas ni menos una locura, estando en la calle me sobreviene una sensación abrumadora de estar cubierto por una especie de líquido amniótico como una placenta, En paralelo aparece el lujoso edificio de oficinas del poderoso buffet de abogados en plena limpieza. Wilkinson prosigue, Micheal, he vuelto a nacer, siento como una especie de ilusión de renovación que ocurre en el instante previo a la muerte, pero luego me doy cuenta que todo es un error y de repente me sucede otra sensación de claridad increíblemente sorprendente, he salido de un traste cuya única función es excretar el veneno, el defoliante necesario para que otros organismos más poderosos destruyan el milagro de la humanidad y que he estado cubierto de esta pátina repugnante la mayor parte de mi vida pasada, pero el deshacerme de su hedor me tomaría el resto de mis días, entonces respiré profundamente y abandone esa circunstancia, pero inmediatamente me pregunté, ¿Por más potente que sea este sentimiento, por más verídico que sea lo que hoy atestigüé, debo esperar y sobrevivir al momento? Pero Michael, ese momento es ahora. Gilroy lo pone a propósito en su guión. Más claro y contundente, imposible.

Entonces que es lo que podemos entender del relato de Tony Gilroy. Primero que no se trata de un thriller convencional en donde la sangre y los disparos fundamentan la violencia, la agresividad y al mismo género. Muy por el contrario, la única muerte que se produce, la de Wilkinson, es absolutamente planificada, aséptica, sin dejar huellas, el crimen perfecto, el asesino silencioso que desarma y cansa a la policía teniendo que caratular la causa como un supuesto suicidio por una sobredosis. Segundo, nos muestra a un Michael Clayton, admirablemente interpretado por George Clooney, siempre vestido con el mismo traje y corbata negra que nos delata metafóricamente su poca claridad de conceptos, su inmensa vulnerabilidad, su aburrida y repulsiva rutina, el ir tomando un protagonismo cauto pero efectivo en cada secuencia, el lograr encontrar las soluciones a sus desgracias lenta pero con la debida inteligencia emocional y sin desesperarse porque ese esa es su mayor virtud y su más valioso capital de trabajo, su propio mundo repleto de sacrificios sin resultados, sus múltiples problemas que irremediablemente tiene que mezclarlos con su trabajo de basurero y encubridor que lo lastima y lo deprime, pero Clayton no tiene doble personalidad, es auténtico, tiene claro los avatares de su trabajo y de su vida familiar; un padre moribundo, un hermano policía que se arriesga por el pero que lo ama, su hermano Timmy, alcohólico, adeudado pero que fue su preferido durante su niñez y el tío preferido de su hijo, un divorcio bien manejado sin rencilla alguna con la madre de su pequeño hijo Henry, el mismo que lo pone en aprietos porque es muy hábil, leído y contestatario, su irremediable pasión por el juego de naipes en lugares encubiertos, su intolerable crisis económica que lo obliga a jaquear a Marty Bach pisando un extremo sensible de la paciencia de su jefe. Micheal Clayton está decepcionado e insatisfecho con su vida que transcurre lenta y monótona pero no tiene otra salida y sabe que tiene que seguir luchando hasta encontrar alguna que lo convierta en otra persona. Mientras tanto Tony Gilroy inteligentemente le va imprimiendo esa misma y sencilla característica a la mayor parte de la trama, la ordena de manera tal que la mimetiza con su actor principal y la cuida para no caer ni chocar con el ritmo endemoniado que le pone Tom Wilkinson a sus escenas y que era el que venía sosteniendo la trama, porque sabe perfectamente que ese no es el camino. Acá si logro notar y convencerme que el debutante Tony Gilroy está a la altura de su doble papel, que los cohesiona sin excederse ni quedarse en lo puramente intrascendente. Es decir, ya la película está armada, comprometida y definida, no existe vuelta atrás a excepción de los flasbacks que son prudentemente utilizados. Tercero, Gilroy nos dice que el gran conflicto y epicentro de su relato es el tormentoso dilema moral en que se reflejan permanentemente sus protagonistas. La insatisfacción y el desencanto, también la envuelve a Karen Crowder, interpretada por la correctísima actriz inglesa Tilda Swinton, la mejor actuación de su carrera, increíblemente bella y estupenda. Se trenza en un duelo actoral memorable consigo misma y delante de un espejo. Sus escenas son todas magistralmente interpretadas, desde el inicio del film en donde está sentada dentro del baño del buffet, sudorosa y nerviosa por haber arreglado el encubrimiento con Marty Bach hasta la escena en donde una de las periodistas le pregunta como intercala su agitada vida laboral con su vida privada. Su gestualidad es llamativa pero no nos causa sorpresa. Inigualable cuando muestra su inseguridad, fragilidad y pánico porque se sabe otro instrumento del poder oculto que le refriega su poca autoestima y capacidad por su inexpresivo rostro. Su ambigüedad moral es determinante y el dilema no lo puede manejar ni por asomo, la excede y la domina. Sabe que el haber mandado a eliminar a Wilkinson es una carga imposible de sostener. También que Clooney ya estaba enterado del documento y vuelve a cargarse otra responsabilidad mayor sin medir ni pensar en las consecuencias. Pierde su poca capacidad de raciocinio y nunca aparece como un personaje medianamente inteligente ni en lo emocional ni en lo profesional gerenciando la poderosísima corporación que le habían encomendado luego de casi doce años de sacrificio. Finalmente cae en la astuta trampa de Micheal Clayton y su culpabilidad la traiciona desplomándose en la alfombra de la corporación. Pero Pollack y Wilkinson también son presa de ese dilema moral de insatisfacción y desencanto cada cual a su manera. Pollack desde su condición de socio principal y responsable del Buffet “Kenner, Bach and Leeden” en el caso de la responsabilidad para con su defendida U/North. La actuación de Sydney Pollack es muy sobria, sin excesos e interpretando con absoluta credibilidad su condición del brazo fuerte del buffet pero razonable y centrado. La actuación de Tom Wilkinson es quizás la más intensa y convincente. Es un notable actor que no tiene desperdicio. Sus líneas son interpretadas con una naturalidad increíble. Cuando discute con Clooney en la cárcel, cuando lo hace en el callejón cargando una docena de panes y hasta cuando habla por teléfono tanto con Henry Clayton como con Anna, una de las testigos, su performance lo hace imprescindible y le da a la película la cuota de espectacularidad y sensacionalismo.

En resumen, muy buena película, cuidadosamente estructurada, ensamblada y con personalidad propia, con un sorprendente debut como director de Tony Gilroy que técnicamente hace un trabajo impecable logrando tomas precisas y adecuadas. Creo que no se hubiera podido contar mejor la historia visualmente. No es un detalle a pasar por alto. Es un logro que ojala Gilroy pueda mantener o superar en próximas películas y sin padrino ni luminaria que lo proteja. Un guión particular sin llegar a ser complejo como dicen algunos, escrito con responsabilidad y cuyos diálogos son la piedra angular del film, perfectamente delineados por sus protagonistas. Destacan nítidamente Tom Wilkinson, Tilda Swinton y George Clooney. La dirección artística es correcta aunque para este tipo de films no se requiere una especial dedicación. La partitura musical si es adecuada, y logra las cadencias y tonalidades rítmicas previstas. En cuanto a la fotografía me parece buena, al igual que en la dirección artística, aunque en esta última poco para explotar. El montaje creo que pudo ser más arriesgado sobretodo en el enlace de las escenas con mayor acción y suspenso pero no influye mayormente. Quizás la falla mínima más notoria es en el vestuario, maquillaje y en la edición de sonidos pero es simplemente una opinión circunstancial.

Finalmente, para mis amigos desencantados quisiera decirles que vayan a la sala y vuelvan a ver la película. Seguramente le encontrarán el feeling que yo pude hallarle. He visto la cinta dos veces y lo haré una tercera en los próximos días. No creo en la exageración cuando a uno le va gustando y encontrándole más virtudes mientras se visualice con mayor detenimiento. Con “Micheal Clayton” me sucedió lo contrario a lo que sentí con “American Gangster”, largometraje que tanto les llamó la atención a ustedes. Simplemente son gustos y percepciones. Aún así es improbable que “Michael Clayton” pueda ganar el Oscar a mejor película. Hay mejores propuestas, más elaboradas como “Atonement” y “No Country for Old Men”. Tampoco creo que George Clooney pueda ganarle la pulseada a Daniel Day-Lewis. Son dos interpretaciones abismalmente distintas. Lo de Day-Lewis es inmenso, grandioso, monumental y con un sacrificio actoral poquísimas veces visto. Lo de George Clooney es correcto y apreciable. Si hay alguien que puede dar la sorpresa ésta debería ser Tilda Swinton que ayer fue la ganadora a mejor actriz de reparto en los premios Bafta. Pero aún así está en la categoría más pareja en la que quien gane va a ser correcto y merecido. En actor de reparto lo de Javier Bardem es más original y contundente que lo de Tom Wilkinson aún a sabiendas que el inglés es un actor exponencialmente superior. En guión original podría ser un premio merecido para Tony Gilroy aunque “Juno” y “”Ratatouille” también la vienen remando con constancia y genialidad. En partitura musical creo que “Atonement” está un escalón sobre el resto.

Pepe Derteano