domingo, 27 de abril de 2008

Resultados finales del primer concurso privado “el blog de Pepe Derteano”



Participantes premiados

Participante Ganador
MIGUEL RAFFO
Segundo Lugar
CARLOS LUQUE
Tercer Lugar
BRUNO TOMATIS

Puntajes

Miguel Raffo 09 puntos
Carlos Luque 08 puntos
Bruno Tomatis 07 puntos

Luz Talledo 06 puntos
Maximiliano Pazos 06 puntos
Edgardo Drago 06 puntos
Carlos Guerrero 06 puntos
Fernando Portilla 06 puntos
Alberto Palomino 06 puntos
Alberto López 06 puntos
Francesca Romero 06 puntos
Erika Pardo 06 puntos

Respuestas

1.-
El Film se llama “The rising of the moon” o “La salida de la luna”, John Ford 1957.
2.-
Los 03 grandes personajes eran; Joseph L. Mankiewicz, Cecil B. DeMille y John Ford.
La anécdota es relatada por Mankiewicz y nos cuenta acerca de una reunión en donde se buscaba la firma de un documento llamado “juramento de lealtad” por todos los miembros de la famosa Liga de Directores. A Mankiewicz, presidente de la liga, el grupo de Cecil B. DeMille lo tildó de “comunista” y se oponían drásticamente a la continuidad de su gestión. John Ford, escuchaba con atención los argumentos. Luego, Cecil B. DeMille dio un gran discurso y hubo un respetuoso silencio, Ford, levantó la mano e intervino con las siguientes palabras: “Me llamo John Ford y hago películas del oeste. No creo que haya nadie en esta sala que sepa lo que realmente quiere el público estadounidense como lo sabe Cecil”. Luego miró directamente a DeMille y le dijo; “Pero no me agradas Cecil y no me gusta lo que has estado diciendo hoy aquí. Propongo que le demos un voto de confianza a Joseph y luego nos vayamos a casa todos a dormir un poco”. Y eso fue lo que hicieron.
3.-
Es un remake de la película “Los 10 Mandamientos”, hecha por el mismo Cecil B. DeMille en 1923. La diferencia sustancial es que la versión original es muda y la de 1956 sonora.
4.-
La banda musical es “Aerosmith”. El nombre del título de la canción central es " I Don't Want to Miss a Thing", nominada para un Oscar y hecha en exclusiva para la película. La relación particular es que Steve Tyler, cantante de la banda, es el padre de Liv Tyler, quien es la actriz principal de la película.
5.-
El nombre en español del film es “La noche de Varennes”. El Titulo original es italiano “IL mondo nuovo” y en francés “La Nuit de Varennes”.

Fotografías

Foto 1 - Sigourney Weaver
Foto 2 - Ricardo Darín
Foto 3 - Paulette Goddard
Foto 4 - Helene Bonham Carter
Foto 5 - Edward Norton y Jessica Biel

Anécdotas y yerros

- Había que ser más moscas con el tema de las fotos. Se anuló la respuesta, “me parece Helene Bonham Carter pero es Bette Davis”. 10 yerros.
- La anécdota estaba bien respondida pero lo importante era colocar a los protagonistas. Alguien respondió correctamente, pero solo puso a John Ford como el único protagonista. Otros pusieron dos de los tres. 12 yerros.
- Me causó bastante gracia quienes pusieron, que la diferencia entre ambas películas de Cecil B. DeMille fueron los efectos especiales. 10 yerros.
- Lo que me pareció curioso es los yerros en las fotografías de Ricardo Darín y Sigourney Weaver.
- Se consideraron correctas las respuestas donde el apellido estaba incompleto o se había escrito mal. Ejemplos, Paulette Godard, Jessica Beil y Sigurney Weaver.
- Se consideraron buenas todas las respuestas de la pregunta número uno, aunque la frase en inglés no era la adecuada.

Gracias por vuestra participación, ha sido una experiencia estimulante y estoy muy conforme de lo que hemos hecho juntos en estos 03 meses de existencia del blog.

Un abrazo y felicitaciones a Miguel, Carlos y Bruno. Me comunicaré con ustedes el día martes 29 por la mañana.

PEPE DERTEANO
Domingo 27 Abril 2008.

jueves, 24 de abril de 2008

Repechaje del Primer concurso privado, “el blog de Pepe Derteano”

Foto 5
Foto 4
Foto 3
Foto 2
Foto 1


Nuevas Bases Repechaje

A
El repechaje consta de 10 puntos a resolver.
B
De los 10 puntos, 05 son Fotos y 05 son preguntas específicas.
C
Las Fotos, serán respondidas colocando solamente el nombre de la persona que aparece y son publicadas en ésta entrada.
D
Las respuestas de los participantes se enviarán vía correo electrónico a; joseluisderteano@yahoo.es. En el mensaje se adjuntarán los siguientes datos; Nombre completo, DNI y número de teléfono celular u otro.
E
Habrá 03 ganadores, quienes se determinarán por simple conteo de respuestas correctas.
F
En el caso de un empate, el ganador del concurso lo determinará Pepe Derteano, según lo que crea conveniente. Se tomarán en cuenta los comentarios, estilos de redacción etc.
G
Los premios son los siguientes; Primer Lugar = Libro Novela “Expiación” + DVD original 02 discos; Segundo Lugar = Libro Novela “Petróleo” de Upton Sinclair + DVD “Saved The Tiger”, Oscar mejor actor Jack Lemmon; Tercer Lugar = Libro “El Padrino” + DVD El Padrino, 02 discos.
H
La puntuación final y las respuestas finales se publicarán en el blog.
I
La fecha de publicación del concurso en el blog, será el día Jueves 24 de Abril de 2008.
La fecha de vencimiento del repechaje será el día Miércoles 30 de Abril de 2008.
La fecha de publicación de los resultados será el día Jueves 01 de Mayo de 2008.
La entrega de los premios se coordinará con los ganadores vía telefónica, durante la primera semana del mes de mayo.
J
Participantes:
Alberto Palomino
Miguel Raffo
Bruno Tomates
Edgardo Drago
Maximiliano Pazos
Carlos Luque
Fernando Portilla
Carlos Guerrero
Alberto López
Luz Talledo
Erika Pardo
Francesca Romero




Preguntas

1.-
En la filmografía del más notable y genial director de todos los tiempos, John Ford, se encuentra un destacado film, del cual el cineasta decía lo siguiente; “……lo hice sólo por divertirme y lo pasé muy bien con estas ridículas historias irlandesas…….”. A qué film se refería John Ford.

2.-
En el libro “John Ford”, escrito por el director de cine Peter Bogdanovich, se cita una anécdota interesantísima sobre una reunión gremial de los directores cinematográficos llevada a cabo en la década del cincuenta. Quienes eran los 03 personajes más importantes de esa reunión y describa muy sucintamente la mencionada anécdota.

3.-
“Los diez Mandamientos”, 1956 - The ten Commandments -, es una película clásica muy importante de la cinematografía mundial. Este film, drama bíblico y de género religioso, es un remake; de qué película, con cuál director y nombre una diferencia particularmente sustantiva.

4.-
Qué banda musical interpretó en forma exclusiva el tema central de la película “Armageddom” de Micheal Bay, Cómo se llama esa memorable canción y qué relación particular existe entre el cantante de esta famosa banda, con el film en cuestión.

5.-
En qué película, el cineasta y actor italiano Marcello Mastroianni interpreta a un anciano y prostático Giacomo Casanova.


Suerte y que ganen los mejores.




PEPE DERTEANO

miércoles, 23 de abril de 2008

Resultados del Primer concurso privado, “el blog de Pepe Derteano”


Por orden de envío:

Francesca Romero 57 puntos
* Greta Garbo era sueca, es Bela Lugosi en vez de Boris Karloff y la foto es de Helene Bonham Carter.

Erika Pardo 57 puntos
* Luís Buñuel en la 04, James Dean en la 17 y “Luna de Papel” en la 37.

Maximiliano Pazos 59 puntos
* Greta Garbo era sueca y no norteamericana.

Carlos Luque 59 puntos
* La foto pertenece a Helena Bonham Carter.

Alberto López 58 puntos
* Thelma y Louise huyen hacia México, y la foto es de Helena Bonham Carter.

Edgardo Drago 59 puntos
* La foto pertenece a una ilustración de Helena Bonham Carter.

Bruno Tomatis 59 puntos
* En la 37 es “Luna de Papel”.

Carlos Guerrero 58 puntos
* Las fotos son, la 05 Audrey Hepburn y la 14 Helena Bonham Carter

Luz Talledo 58 puntos
Greta Garbo es sueca y la 37 es “Luna de Papel”.

Fernando Portilla 58 puntos
* La foto es de Audrey Hepburn y en la 17 es James Dean.

Miguel Raffo 59 puntos
* La foto es de Helena Bonham Carter.

Alberto Palomino 58 puntos
* La 37 es “Luna de Papel” y la foto es de Helena Bonham Carter.

Les ruego confirmar los resultados enviando un aviso en esta entrada.

PEPE DERTEANO

sábado, 19 de abril de 2008

“Posdata; Te amo”, La viudez en los matrimonios jóvenes.



















He escogido un tema polémico, una publicación que enfrentará posiciones, pero que hoy por hoy, es sumamente atractivo, por su complejidad y porque inequívocamente, la viudez es una de las posibilidades que pocas veces imaginamos se presentará tempranamente, cuando se empieza a consolidar una relación de pareja. De alguna forma la película “Posdata; Te amo”, no es una cátedra lo suficientemente estricta y formal, de cómo afrontar la verdadera raíz del problema, pero es una provocadora excusa para plantearla y dejarla brotar. Aquellos que sostienen que la vida en pareja, es un nuevo ente, que tiene que ser ingeniosamente construido a partir de dos voluntades parecidas o disímiles, pero que intenten transitar en un mismo sentido, a una misma velocidad, y durante un periodo máximo de tiempo, les debería inquietar sobremanera, cómo es que un evento teóricamente viable, se pueda convertir en un oscuro escenario de sufrimiento y de insatisfacción humana. Únicamente me estoy refiriendo al proceso de convivencia y sus variables. Recuerdo que los consejeros matrimoniales, nos hablaban con brillantez y elocuencia, de los objetivos comunes, es decir, del dar y recibir, del rechazo a lo rutinario, la admiración y el respeto, el cuidado de lo personal, la comunicación, la amistad y el compañerismo, la discusión razonada, la sexualidad, el diferenciar la plenitud de la intensidad etc., como exigencias elementales y vitales, de una convivencia adecuada. Aparentemente, estos niveles de exigencia, deseables, perfectos o quizás inaceptables, parecieran formar parte de un meticuloso control de calidad, como en los modernos procesos industriales, los mismos que funcionan con un estricto rango de conformidad y otro de rechazo o no conformidad. Cuando Sócrates afirmaba, el amor es, “desear que la persona amada sea lo más feliz posible", y "lo semejante es amigo de lo semejante", a qué rara definición se refería este pensador. Supongo que no estaba lejos de la realidad, pero tampoco tan cerca. Me pregunto si es difícil comprender que, dentro de la vida en pareja y en el juego del amor, existen modelos de comportamiento preestablecidos o es la improvisación, la que nos deriva al laberinto, donde se complica o frustra su realización. Nadie, que yo conozca, se ha puesto de acuerdo en el tema. Las opiniones son diversas y contradictorias y mucho más aún cuando la muerte de una de las partes, se presenta en forma intempestiva. Es algo anormal, impensado, impredecible pero posible. Este es el tema de fondo del film “Posdata; Te amo”. No es una película romántica común, es una buena propuesta, dramática y divertida, con toques finos de humor, pero que nos provee de un claro mensaje, a través de una historia central y varias accesorias, que se relacionan con prudencia, pero que parecieran no terminar de armarse del todo y viajar en la nebulosa. No sería caballeroso de mi parte, calificar el mensaje de este largometraje como feminista o rebajarlo a una definición tan desproporcionada, como el de un pequeño manual de la viudez femenina, pero si llegué a percibir un ligero tufillo o una posible intencionalidad. Habrá que confirmarlo o desecharlo. Ahí se contextualiza el reto de éste blog. Quizás el film pase a un segundo plano. Rescatemos lo que nos sirve como una lección que tenemos que tomar en cuenta por más extraña que parezca.

Repasemos un poco sobre el concepto del matrimonio, pero no en una forma estrictamente convencional. Continuemos con el ejemplo de un sistema de control de la calidad. En éste, existe una estandarización de la norma que la hace eficiente o ineficiente. Qué es lo que sugiera la norma en el caso del matrimonio. Se debe tener una pareja estable entre los 25 y 30 años de edad. .Esto genera que las mujeres empiecen a preocuparse de su soltería a partir de los 25 años y los hombres a partir de los 30. Esta preocupación suele crear tensiones que se agravan por las presiones familiares. Por eso, muchas personas aseguran la opción de comprometerse a una relación supuestamente estable, tener hijos y cumplir con las expectativas sociales y familiares, evitando riesgos innecesarios. Esto es lo que dice la norma, generalmente aceptada y establecida por los cánones religiosos, culturales y sociales. Pero, hoy en día, la norma, es un irrespetuoso saludo a la bandera, hecho que me parece saludable e higiénico, para que las personas se concentren, la mayoría, en utilizar diferentes posibilidades, según lo que el mercado del amor legal y socialmente aceptado, nos ofrece. Mujeres que ya han alcanzado la independencia económica en base a su talento y esfuerzo, son las grandes revolucionarias de estos conceptos. Por lo tanto, hoy nos encontramos con que el matrimonio ha pasado a un segundo o tercer plano, el hombre perdió estabilidad emocional, y como lógica consecuencia el intervalo de edades, de las cuáles hablábamos, han dado una vuelta de tuerca, seguramente justificados. Las mujeres ya entendieron y definieron su rol en la evolución de las relaciones interpersonales y lo imponen con original estilo, a sabiendas que lo importante es ahora, el manejo adecuado del pensamiento asertivo, del cerebro y no del corazón, por lo tanto el hombre se encuentra confundido y hasta superado por la nueva tendencia y aún no logra plantear alternativas que puedan involucionar el nuevo ritmo del siglo XXI, que las mujeres han logrado establecer en los diferentes campos del desarrollo humano. Algunos dicen que el machismo es una llave maestra que utilizaron los hombres durante siglos y que hoy esa llave está en posesión de las mujeres, cosa rara, porque la mujer terminaría siendo machista y el hombre un híbrido desubicado. Supongo que, duela a quien le duela, la historia comienza a darles la razón a las damas. Esperemos que no se desborden, no hagan una apología de la lucha de sexos y la erradicación del género, manteniendo la calma y el orden, no cometiendo los mismos errores que los hombres. Ojo, que no estoy discriminando a los homosexuales, ni a las otras modalidades existentes, porque la película no da esa alternativa como trascendente. El hombre, mientras tanto, no debería, desde el odio y el resentimiento, vociferar y agravar el asunto, sino empezar a construir una nueva posibilidad de consenso. Todos somos iguales, eso nos da alguna esperanza. En cuanto a la religión, muchos disconformes les recomiendan más marketing e investigación de mercados, porque a ellos si se les gastó el discurso. Hace mucho, un tío me decía que si ponían una boletería en la puerta de una iglesia, la asistencia y la recaudación, para el mantenimiento del sistema, hubiera destruido al catolicismo. Hoy en día, esta teoría sería obsoleta. No hubo que poner boleterías, simplemente otros, más coherentes y modernos, supieron armar mejor el nuevo proyecto, le dieron más perspectiva y dinamismo, cambiaron la forma pero no el fondo, porque Dios, sigue siendo el presidente del directorio.

La muerte del cónyuge suele convertirse en uno de los factores más estresantes y desgarradores en la vida de cualesquier ser humano. Por factores biológicos, estilos de vida, y por la costumbre social que deriva en que los hombres se casan con mujeres menores o las mujeres menores atrapan a los hombres mayores, la probabilidad que las mujeres se queden viudas es de casi, seis a uno. La mujer viuda no es igual que el hombre viudo. No solamente porque son mayoría y estarían genéticamente acostumbradas a esto, sino porque las mujeres son madres, y como tales, han logrado controlar el sufrimiento con estoicismo. Pierden hijos al nacer éstos, muy pequeños o en el transcurrir de sus vidas, inconmensurable sufrimiento, no se puede volver al pasado, se pierde parte de la vida. Por eso el sentimiento de los hijos hacia la madre, es más profundo que hacia el padre. Cuando se quiere insultar o degradar a un semejante, no se le nombra al padre sino a la madre, o ustedes escuchan con frecuencia una mentada de padre. Absurdo y risible. La crianza siempre fue de la madre, salvo honrosas excepciones, lo que le concedió a la mujer un carácter más inclinado a tomar el toro por las astas, llevar la batuta y saberla administrar. En cambio, el hombre viudo suele tener un problema casi insuperable, un panorama negro, porque normalmente, no ha cultivado las relaciones emocionales y estrechas con los hijos y se ha convertido en un simple proveedor de bienes. No aporta tanto en el cuidado espiritual y formativo de los hijos. Desde el punto de vista sexual, la viudez implica una pérdida de contacto físico considerable y difícil de sustituir. Aunque la pareja haya dejado de tener relaciones sexuales, el contacto físico, el dormir juntos, abrazarse, acariciarse es parte esencial de la vida de en pareja, así como lo es la presencia misma de la otra persona, que está junto a uno a pesar de estar lejos de uno, en muchos casos. Pero que es lo que pasa cuando la viudez llega en la primera etapa de la relación matrimonial, cuando no hay hijos pero si proyectos, cuando el amor se ha ido construyendo, con sus idas y vueltas, pero empezaba a consolidarse, a madurar y comenzar a disfrutarlo. Cómo se puede asumir la pérdida, cuando ésta sorprende y aniquila la sensibilidad del más insensible de los seres humanos. Al ser una situación poco común, ya que la viudez ocurre generalmente en la tercera edad, las personas tienen dificultad de aceptar la realidad y de proyectar el futuro inmediato. Existe un estado depresivo, que se va superando con ayuda especializada, pero que no es la solución al problema. Acá juega un papel definitivo, la familia y los amigos. No los conocidos ni los compañeros de trabajo, que solo estorban y confunden, sino los verdaderos afectos, los que van a ayudar a la persona a intentar superar sus temores y la sensación de pérdida. Muchos confunden al luto con el ponerse un traje negro por un cierto tiempo. Esto no es exacto porque el duelo va por dentro y no tiene color. Por lo tanto la ayuda especializada más la ayuda familiar y amical, son el elemento inicial para empezar a reconstruir un dolor agobiante e incurable. No olvidemos que una mujer viuda no es tan atractiva como una soltera o una separada. Hay cierta reticencia por parte de las personas, sobretodo de los hombres, en fijarse en un ser viudo como el complemento perfecto. Esto no es ninguna regla establecida. Hay muchos casos en donde una viuda joven logra superar el dolor y volver a conformar una relación amorosa fructífera, aunque siempre queda el recuerdo y se caigan en pozos depresivos de vez en cuando. Pero esta es una opinión teórica y circunstancial que propongo, para darle pie a lo que se trata de explicar en el desarrollo de la película “Posdata; Te amo”.

Antes de entrar en materia, esta vez no voy a considerar una historia del género, porque es una combinación de drama, romance y comedia, lo que resultaría tedioso exponer. Quisiera empezar por una descripción del director guionista e intérpretes, para que vayan ambientándose, a quienes forman parte de este particular film que no es un brillante de kilates, pero que se deja ver, sentir y disfrutar, por su originalidad y temática. La dirección y guión son de Richard LaGravenese. Este señor es un prolífico y exitoso guionista norteamericano, que ha escrito con bastante aceptación guiones proyectados hacia películas de parejas formadas o por formarse, en donde el tratamiento dramático y romántico sumado a una buena dosis de comedia, conforman su especialidad. Escribió guiones como, “El Rey Pescador” o “The fisher king”, 1991, de Terry Gilliam, donde fue nominado al Oscar, pero perdió a manos de Callie Khouri por su extraordinario guión original de la película “Thelma & Louise” del maestro Ridley Scott. Fue el año en que “El Silencio de los Inocentes”, se llevó los galardones más importantes; de 07 nominaciones, 05 Oscares. “El Rey Pescador”, es protagonizado por Robin Williams, nominado a mejor actor principal, Jeff Bridges y Mercedes Ruehl, quien se llevó el Oscar por mejor actriz secundaria. Luego escribe el guión de “The Ref”, 1994, una buena comedia con Kevin Spacey, Denis Leary y Judy Davis, pero que no trascendió a mayores. Al año siguiente, realiza el guión para el film “A Little Princess”, dirigida por el mexicano Alfonso Cuarón, una interesante aventura fantástica, que tuvo 02 nominaciones al Oscar, por fotografía y dirección artística. Recordemos que Cuarón ha dirigido muy buenos films como, “Grandes esperanzas”, “Y tu mamá también”, “Harry Potter y el prisionero de Azkaban”, “Hijos de los hombres” y uno de los capítulos de “Paris, je t'aime” en el 2006. Estamos hablando todo un personaje de la cinematografía actual. LaGravenese, tiene su año más intenso en 1995. Además de “A Little Princess”, escribió los guiones de “Los Puentes de Madison”, de Clint Eastwood, donde actúa éste con Meryl Streep, en donde me atrevería a señalar que Meryl Streep le baja todo lo macho a Clint Eastwood y lo hace actuar como un perfecto romántico, duro pero enamorado. Quizás sea una de las poquísimas oportunidades en donde Eastwood se atreve a cambiar su mágnum 44 por un arma más letal, el amor hacia una mujer casada. Esta película es 100% recomendable. Ese mismo año, LaGravenese, escribe “Unstrung Heroes”, un melodrama dirigido por la actriz Diane Keaton, que recuerdo, fue muy bien calificado en esa década. Actúan Andie MacDowell y John Turturro, y también es un film recomendable. En 1996, construye el guión para una muy buena película, “The Mirror has two Faces”, donde vuelve a dirigir una actriz, Barbra Streisand, y en donde actúan una serie de buenos interpretes, como la misma Barbra Streisand, Jeff Bridges, Pierce Brosnan, Lauren Bacall, Mimi Rogers, George Segal y Brenda Vaccaro. Es una comedia romántica con algunos toques de drama, donde tanto Barbra Streisand y Jeff Bridges hacen de las suyas. 100% recomendable para pasar un buen rato. Dos años después escribe, para mí, su mejor guión, “El Hombre que susurraba a los Caballos”, de Robert Redford, quien también actúa al lado de Kristin Scott Thomas, Sam Neill, la genial Dianne Wiest, Scarlett Johansson, de niña y un actorazo como Chris Cooper. Es un drama romántico que tiene de todo y para todos los gustos, Un relato muy emotivo, conmovedor y atrapante, con un desenlace muy poco acostumbrado. 100% recomendable. En 1998 escribe y dirige su ópera prima, “Living Out Loud”, donde actúan Holly Hunter, Danny DeVito, Queen Latifah y Martin Donovan, entre otros. Es un drama que encierra muchas lecciones y mensajes de vida. Un aceptable debut como director, aunque muchos lo tacharon de ser una mezcla de Redford y Altman. Ese año completa su actividad cinematográfica escribiendo “Beloved”, de Jonathan Demme, con actuaciones de Oprah Winfrey, Danny Glover, Thandie Newton. Es un drama referido a la discriminación racial y la esclavitud. Fue una película que recibió muy buenos, pero también muy malos comentarios, ya que era redundante y sobretodo demasiada extensa. No he tenido oportunidad de visionar éste film, por lo que no podría recomendarlo. Desde 1998, Richard LaGravenese, se ausentó hasta el año 2003, cuando escribe el guión del documental “A Decade Under the Influence”, que lo dirige conjuntamente con Ted Demme. Este documental trataba de la importancia de la década de los setenta en el mundo del cine. Derrotado El documental se centra en el cambio de tendencia que esa década supuso en la manera de contar historias en el séptimo arte, y de cómo en esos años directores americanos como Francis Ford Coppola, Martín Scorsese, Robert Altman, Peter Bogdanovich, William Friedkin, Roger Corman, Paul Schrader, etc., casi todos influidos por visionarios directores extranjeros como Godard, Antonioni, Kurosawa o Fellini, revolucionaron el mundo del cine para siempre. En el 2005 hizo el guión de la película “Monster-In-law”, de Robert Luketic, una comedia romántica donde reaparece Jane Fonda, al lado de Jennifer López. Una película divertida pero ciertamente menor. Luego en el 2006, al igual que Alfonso Cuarón, dirige uno de los capítulos de “Paris, je t'aime”, donde también aplica su cuota de romanticismo con “Pigalle”. Esta suerte de documental romántico tiene la participación de directores de la talla de; Emmanuel Benbihy y Olivier Assayas “Quartier des Enfants Rouges”, Frédéric Auburtin & Gérard Depardieu “(Quartier Latin”, Gurinder Chadha “Quais de Seine”, Sylvain Chomet “Tour Eiffel”, Joel & Ethan Coen “Tuileries”, Isabel Coixet “Bastille”, Wes Craven “Père-Lachaise”, Alfonso Cuarón “Parc Monceau”, Christopher Doyle “Porte de Choisy”, Vincenzo Natali “Quartier de la Madeleine”, Alexander Payne “14e arrondissement”, Bruno Podalydès “Montmartre”, Walter Salles & Daniela Thomas “Loin du 16e”, Oliver Schmitz “Place des Fêtes”, Nobuhiro Suwa “Place des Victoires”, Tom Tykwer “Faubourg Saint-Denis” y Gus Van Sant “Le Marais”. Una constelación de grandes directores. Este metraje no debería faltar en la videoteca de los románticos empedernidos. 100% recomendable. Finalmente el 2007 hace el guión y dirige por primera vez a Hilary Swank, en el film “Freedom Writers”, acompañada de Patrick Dempsey, Scott Glenn e Imelda Staunton. Es un drama escolar, en donde Hilary Swank hace de profesora de lengua y se tiene que enfrentar a estudiantes pandilleros, de zonas marginales. Es un buen film, algo lento, por la historia, pero con un buen guión. Creo que “Posdata; Te Amo”, es una película que sigue la misma tendencia de “Freedom Writers”, ya que se trata de la adaptación del ser humano a un escollo complejo y lleno de problemas que afrontar y luego superar. Si bien, me he extendido en la descripción de los antecedentes de Richard LaGravenese, lo he hecho para que puedan no solo conocer su obra, sino entender el tipo de películas que ha proyectado en sus guiones, básicamente historias de seres humanos con frondosos retos que asumir e intentar por todos los medios posibles de salir airosos.

En el caso de los protagonistas, Hilary Swank, es un caso sui géneris. A los nueve años protagonizó la película “El libro de la selva”, interpretando el personaje de "Mowgli". También fue una gran deportista que compitió en las olimpiadas junior, en natación y que alcanzó el quinto puesto, como mejor atleta juvenil en el estado de Nebraska. A los 16 años, se trasladó con su madre a Los Ángeles, donde ingresó en la universidad para estudiar artes dramáticas, y donde empezó a actuar en el teatro profesionalmente a los 18 años. Comenzó sin suerte en la película “Buffy, la caza vampiros” en 1992. Pasó el tiempo y en base a esfuerzo y estudio, se superó, con algunos problemas con las empresas productoras, incluidas. Hasta que le llegó el momento con “Los Muchachos no lloran”, en donde descolló. Es una actriz que se ha dado el lujo de lograr el honor y la posteridad al conseguir ganar 02 Oscares a mejor actriz protagónica, antes de cumplir los 30 años. Hoy está por cumplir los 34 y su proyección es envidiable Sin lugar a dudas tiene un talento especial, para adaptarse a cualesquier tipo de personaje. Su capacidad interpretativa es extraordinaria, así como su bella figura, su hermosa sonrisa y su capacidad atlética. Es de lejos la mejor actriz norteamericana de su generación, pese a quien le pese. No lo digo yo, lo han dicho Nicole Kidman, Cate Blanchett y Meryl Streep. Inmediatamente después de “Posdata; Te Amo”, filmó “Labyrinth”. Sus 03 proyectos ya confirmados son; “The Laws of Motion”, “Amelia” y “Flangdan”. Su filmografía incluye películas como, “Freedom writers”, “The Reaping”, "La Dalia Negra", “Red Dust”, "Million dollar baby", segundo Oscar a mejor actriz, “Iron Jawed Angels” película sobre el feminismo y la consecución del voto de la mujer en los EEUU, "11:14 Destino Fatal”, "El núcleo", "Insomnio", "El misterio del collar", "The Gift", y "Boys don't cry", donde interpretó a un muchacho, técnicamente una proeza reconocida por todos y que le valió su primer Oscar por mejor actriz. En el caso de Gerard Butler, 39 años, escocés de nacimiento, canadiense de corazón, se nota claramente el acento en la película, tuvo que comerse literalmente 07 películas de regular para abajo, incluyendo “Tomb Raider II”, hasta lograr un reconocimiento parcial de la crítica por su papel en el film "El Fantasma de la Ópera” de Andrew Lloyd Webber, Luego trabajó en un film poco visto, pero que tuvo una gran aceptación de la crítica internacional, “Mi Querido Frankie”, con Emily Mortimer, donde reemplaza a un padre biológico en esa función. Una notable actuación. 100% recomendable. Pero sin duda, su éxito más mentado, es con el personaje del rey Leónidas en “300”, de Zack Snyder. Muy buena película y destacada actuación del forzudo y esbelto rey de Esparta, que con solo 300 soldados espartanos, se enfrentan a un multitudinario ejército persa. De ahí filma “Posdata; Te Amo” y luego junto a Pierce Brosnan y María Bello el film “Shattered”, que debe de estar estrenándose muy pronto en la cartelera limeña. También tiene una muy buena película de aventuras junto a Jodie Foster y Abigail Breslin, titulada “Nim's Island”, hecha recientemente. Ya se estrenó en EEUU, supongo que en Julio, para fiestas patrias, debe estar por Lima. Sus proyectos futuros son “Game”, “The Untouchables: Capone Rising”, ambas ya filmadas, “The Ugly Truth”, “Law Abiding Citizen” y “Cómo entrenar a un Dragón” en el 2009. Creo que es un actor muy interesante, ha demostrado su versatilidad en “Posdata; Te Amo” y estaremos atentos al estreno de “Shattered”, un intenso thriller psicológico donde Pierce Brosnan interpreta a un psicópata y Gerard Butler a la víctima. En fin, un escocés frente a un irlandés. Volviendo al film, sin duda alguna, la actuación de la película se la lleva Kathy Bates, una actriz de una prestancia y categoría muy particulares. Ella representa el lado oscuro pero que se va aclarando con el transcurso del film hasta llegar a brillar con luz propia justo al final de la cinta. Estamos hablando de otro nivel de interpretación. Hace un desarrollo artístico muy completo pese a que no es protagonista sino secundaria. Se comporta como consejera, madre espiritual, sufrida, dulce, melancólica, enamorada y hasta hipócrita. Kathy Bates de 60 años, ganó un Oscar en el año 1990 por “Misery”, un peliculón donde se lo come de un bocado a James Caan. Ha trabajado en “Titanic”, “Acción Civil”, Colores Primarios”, “Dick Tracy”, “Tomates verdes fritos”, “Un muchacho llamado Norte”, “El misterio de la libélula”, “El Puente de San Luís Rey”, “A propósito de Schmidt”, donde hace un desnudo impresionante. Siempre buscando papeles secundarios, a veces los más complejos, Kathy Bates destaca y emociona. Esta vez no es la excepción. En cuanto a Lisa Kudrow, hace un papel relativamente específico, aunque es buena actriz, no de mis preferidas. Es más una actriz de TV que de cine. Una mujer con mucha suerte más que talento. Es muy hermosa, pese a haber pasado los 44, algo similar a Gina Gershon, que con la Kudrow, complementa el trío de amigas con Hilary Swank, en forma correcta. Lo que si queda claro, es que Gershon, de 46 años, se ha hecho una cirugía plástica muy notoria, poco estética. Pareciera que en el año 1997, cuando filmó junto a Travolta y a Cage, “Face Off” o “Cara contra Cara”, le picó el bichito. Quien luce algo tristón, pero que su presencia nos recuerda inmediatamente al Jazz, es Harry Connick, Jr., en el papel de Daniel. Connick, de 42 años, es todo un referente musical. Es un cantante y pianista, cuyo repertorio y estilo se aproxima al jazz por la vía del swing y de la canción popular norteamericana. Se le considera un “Crooner”, dentro de la estilización generada por Frank Sinatra. En la película, Connick, hace lo suyo, no desentona, pero tampoco convence del todo. Como señalé antes, está medio triste, a pesar que le toca bailar con la más bonita. Es una cuestión de apreciación. En su filmografía hay buenas películas; “Memphis Belle” 1990, la historia bélica del famoso Bombardero Memphis Belle, en la segunda guerra mundial, con Matthew Modine, Eric Stoltz, y John Lithgow entre otros. “Copycat” 1995, con Holly Hunter y Sigourney Weaver, “Hope floats” 1998, con Sandra Bullock, donde es protagonista de un romance con ella, actúa también Gena Rowlands, Rossanna Arquette, y lo dirigió nada menos que Forest Whitaker. Una película sin mayores atractivos. De lo ultimo, “My Dog Skip”, “Basic”, con John Travolta y Samuel Jackson, y “Bug”, con Ashley Judd, el 2006. En fin, creo que el elenco es el correcto, el guión adaptado interesante, y la dirección cumple su misión. Más adelante complementaremos el apartado técnico.

La película empieza muy bien, de una forma novedosa, dinámica y contagiante. Son casi 12 o 13 minutos, de una intensidad y un ritmo vertiginoso para este género de películas. Se propone un extenso, pero necesario dialogo de pareja, entre los protagonistas principales, Hilary Swank y Gerard Butler, mujer y marido, donde la discusión entre ambos, es magistralmente representada en escena. Es muy recomendable observar al detalle, tanto la interpretación de Swank como la de Butler, porque son patéticas y magníficas a la vez. Hilary, es encantadora, sensual y defiende con uñas y dientes su punto de vista, aunque sea éste vulnerable y suene a rabieta más que a lógico. Trata de explicar el futuro incierto que les aguarda, pero a través de la inmadurez de su marido, y no desde su frustración y complejos. Esto aumenta la controversia y ensalsa la porfía, con la ironía pasajera que Gerard impone, comportándose como un niño adulto y Hilary como la esposa aburrida e impaciente. Hilary, con un golpe mágico, va desvistiéndose y le agrega intimidad a la secuencia, es un escenario retratado con astucia y maestría. La atmósfera es deliciosa y transgresora, porque las posiciones encontradas se alejan y se acercan de lo razonable en forma permanente, dándole una vibración especial a una pelea de boca casi sin sentido, pero necesaria, y que enfrenta pataletas y caracteres. Se tratan de delimitar territorios, pero los argumentos se van diluyendo y perdiéndose en la anécdota. Ambos son presas de una privación similar, no tienen suficiente dinero y no soportan la rutina del trabajo. Llevan casi nueve años de casados y no encuentran aún el camino. Sin embargo, la razón esgrimida para la polémica es sustanciosa. Gerard le ha contado a la madre de Hilary, Kathy Bates, que van a tener un hijo, que ya es tiempo de ser padres. Hilary piensa que no es el momento material, quizás el biológico. No hay dinero, apuntan a la compra de una vivienda más acomodada, ya que viven de alquiler, en un segundo piso de un antiguo edificio en el viejo centro de New York. Finalmente, luego que la controversia llega a su nivel más extremo, Gerard amaga con ser la víctima y logra su propósito. Ambos tuvieron culpa. Ambos tendrán que ceder y reconciliarse. Acá termina lo más sustancioso de la película, pero no lo más importante del mensaje de la misma. Hilary Swank es una gran actriz pero Butler no se queda atrás, está en el mismo nivel y ritmo interpretativo de la Swank, lo que hace deliciosa esta parte de la película. Me sorprendió la actuación melodramática de Gerard Butler, quien hace gala de una gesticulación y pronunciación oportuna, donde en el grueso intercambio de frases cargadas, no se sobreponen las palabras ni las acciones, divirtiéndonos y asombrándonos por una fluidez adecuada. Dejo en el aire lo relativo a la química artística entre ambos protagonistas. Algunos piensan que no es una pareja que como tal, haga juego, otros arguyen lo contrario. Luego vienen los créditos de la película, que están bien pensados, por la combinación de fotos en blanco y negro, pasajes de New York, lugares comunes, establecimientos, avenidas concurridas, en color, para luego volver a fotos en blanco y negro de la pareja. Es una parte imperdible de la película, ya que visualmente, es impecable y el diálogo soberbio, de lejos lo más atractivo del film. Pero, de pronto, sin entrar en el mundo de la enfermedad, deterioro y muerte, Holly Kennedy, - Hilary Swank - se ha quedado viuda pocos días antes de cumplir 30 años, se sume en una profunda depresión y desesperación porque su alma gemela ya no está, murió de un tumor cerebral. Aquí la película toma otro rumbo, diferente al inicial, se pasa de caliente a frío, sin mediar sensación tibia. Richard LaGravenese introduce, desde su experiencia y dominio del género, un truco original y llamativo. Gerry Kennedy, - Gerard Butler - meses antes de morir, planea como ayudar a su mujer, desde su ausencia, a llevar el sufrimiento, a facilitar la pérdida, porque su amor era infinito, verdadero, y sabía que ella no lo podía soportar por si misma. La conocía demasiado bien. Su plan oculto consistía en utilizar a personas cercanas de Holly, dejarle cartas programadas, una por mes, en donde le daba instrucciones precisas de cómo tenía que ir sorteando las dificultades que él pensaba, irían sucediéndose, hasta que ella pudiera valerse por si misma, redescubrirse y despegar nuevamente. Gerry había sido el único hombre en la vida de Holly, salvo una relación coyuntural de 04 meses. En el primer envío, justo en el cumpleaños número 30 de la hermosa viuda, llega una torta y una grabación. La obliga a salir a divertirse con sus amigas. A partir de la última carta, Holly estaría preparada para empezar una nueva vida, pero teniendo en cuenta una señal que su corazón tenía que detectar a tiempo. Un detalle que justifica el título, al final de cada carta Gerry colocaba la siguiente coleta, Posdata; Te Amo.

No creo prudente, desmenuzar la trama en detalle, porque no es el objetivo de la entrada, ni contribuiría a la polémica que pretendo se pueda generar. Solo he comentado la escena inicial, 12 o 13 minutos, y un repaso general porque es una licencia que puedo tomar. Lo demás es tarea del espectador y luego de los bloggers. Por lo tanto, queda instalada la discusión. Como lo decía al principio, el gran dilema es buscar en el fondo del argumento, si el proceder de Holly es el correcto al cambiar intempestivamente de vida. Es difícil no caer en el clímax del sentimentalismo, cuando uno se refiere a una temática tan dura y poco habitual. Quizá la discusión inicial que trasciende en el film, retrate en el fondo, una Holly ya presa de la desesperación y el desconsuelo, aún con la compañía de Gerry. Es una percepción que tuve y que hasta ahora me da vueltas, es decir, con o sin Gerry, el proyecto de vida en pareja, estaba en decadencia, había llegado a un límite prohibido, donde la misma pareja debe siempre luchar por no llegar, aunque luego la circunstancia se calme, con besos y caricias, palabras propias del momento y saludable sexo. Me refiero, principalmente, al proyecto económico, que es tan íntimo y determinante como el propio sexo. Pero luego me doy cuenta que si bien, lo económico es importante, el amor lo es más y ahí es donde se fortalece la debilidad de Holly y Gerry, se amaban a pesar de todo. Eran tal para cual, el amor de sus respectivas vidas. Acá es donde se empieza a tejer un manto muy pesado sobre la frágil Holly. No estaba preparada para tan duro golpe. Nadie lo está, pero de una u otra forma había que intentar salir del problema, porque el desconcierto y la depresión te vulneran y luego te matan. Que tiene Holly a favor y qué en contra para ir superando el obstáculo. Acelerar su sosa vida social, buscar en donde sabe que no va a encontrar alguna posibilidad, reemplazar de inmediato a Gerry con otra relación coyuntural de 04 meses etc. El que Holly se entregue a su dolor es una fortaleza o una debilidad. El hecho que sus dos mejores amigas, su madre, sus hermanos y Daniel estén al lado de Holly, cambia de alguna manera el proceso de sufrimiento, lo esconde, lo disimula o lo agrava. Si Holly extraña y sigue amando a Gerry, porque lo imagina, lo sueña y lo busca a través de la voz del contestador de su teléfono celular, cómo lograr el cometido del mismo Gerry, que se enamore de otro a pesar de su recuerdo y acostumbramiento. Cuales son los procesos por los cuales tendría que pasar Holly para encontrar finalmente esa señal que Gerry le escribía en su último envío. Finalmente, cuales podrían ser aquellas nuevas emociones que Holly tendrá que encontrar para recobrar su estabilidad emocional y apegarse a la posibilidad de reencontrarse con la felicidad que por momentos, creyó inalcanzable. Un buen ejercicio para un tema complicado. No es una película como “El Orfanato”, en donde el director logra que a través de trucos perfectamente hilvanados, el espectador se introduzca si o si en la trama. “Posdata; Te Amo”, es una posibilidad real dentro de una vida real, aunque la ficción se encargue de recrearla. En el apartado técnico, no existen mayores inconvenientes. Una dirección correcta, bien construida y realizada de una forma convencional. El guión es bueno, novedoso y mantiene una secuencia articulada, adaptado de la novela de Cecelia Ahern, escritora de gran éxito e hija del actual primer ministro irlandés Bertie Ahern. No queda duda que pudo ser mejor adaptado y más prolífico, pero está lo suficientemente claro. Por lo menos los mensajes son claros y entendibles. Quizás podamos cuestionar alguna escena en particular o que al final sea demasiado perfecto, casi idílico, pero no influenciaría en el objetivo propuesto por el blog. Me pareció encontrar una cierta similitud con la forma de escribir y dirigir de Cameron Crowe, ganador de un Oscar por el guión original de la película “Almost Famous”, aunque no tenga tanta profundidad en las escenas. La dirección artística es correcta, aunque ya hice la salvedad si la química entre los protagonistas le brinda o no un valor agregado a la película. Locaciones correctas, vestuario y maquillaje de acuerdo a la época, una fotografía correcta y sólida. La música es buena, muy recomendable. Hay una canción cuando velan la urna de Gerry, llamada "Fairytale of New York” de la banda británica de rock “The Pogues”, muy bien puesta. En el aspecto de edición los cortes de secuencias están perfectamente logrados, el sonido está bien mezclado, no interfiere y la fotografía se luce sobretodo en los bellos paisajes irlandeses. Una buen film, entretenido y llevadero, nada extraordinario, pero que tiene un tema muy atractivo para la discusión, la viudez en las personas jóvenes. Hasta la próxima.
PEPE DERTEANO

lunes, 14 de abril de 2008

Primer concurso privado “El Blog de Pepe Derteano”


Bienvenidos al Infierno de la Cinematografía


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Primer concurso privado “El Blog de Pepe Derteano”
Bases establecidas


A. El Concurso consta de 60 puntos a resolver.
B. De los 60 puntos, 20 son Fotos y 40 preguntas.
C. Las Fotos, serán respondidas colocando cualquiera de las siguientes opciones; el nombre del artista o los artistas que salen en la misma, el nombre del personaje que representa en la película, el título de la película o el nombre del acontecimiento. Cualquier respuesta acertada se dará por válida, menos si se dan 02 opciones diferentes. En el caso de las 40 preguntas, se darán 03 alternativas, de las cuales, solo una, es la respuesta correcta.
D. Se publicará en el blog, tanto las Fotos como las Preguntas.
E. Las respuestas de los participantes se enviarán vía correo electrónico a la siguiente dirección electrónica; joseluisderteano@yahoo.es. En el mensaje se adjuntarán los siguientes datos; Nombre completo, edad y distrito. Estos 02 últimos datos los necesito con la finalidad de hacer una segmentación de mercado, para un mejor tratamiento de posteriores publicaciones.
F. Habrá 03 ganadores, quienes se determinarán por simple conteo de respuestas correctas.
G. En el caso de un empate, el concurso se definirá con 05 preguntas más complicadas que las primeras.
H. Los premios son los siguientes; Primer Lugar = Libro Novela “Expiación” + DVD original 02 discos; Segundo Lugar = Libro Novela “Petróleo” de Upton Sinclair + DVD sorpresa; Tercer Lugar = Libro sorpresa + DVD sorpresa.
I. La puntuación final se devolverá a los concursantes vía e-mail, para que revisen sus respuestas y quede demostrada la transparencia del concurso. No se publicarán las puntuaciones de todos. Solamente de los 03 primeros y el puntaje de los siguientes 05 y los últimos 05 sin colocar sus nombres.
J. La fecha de publicación del concurso en el blog, será el día Lunes 14 de Abril de 2008.
K. La fecha de vencimiento del concurso será el día Lunes 21 de Abril de 2008.
L. La fecha de publicación de los resultados será el día Lunes 28 de Abril de 2008.
M. La entrega de los premios se coordinará con los ganadores vía e-mail o vía telefónica.


Preguntas


01. Los hermanos Auguste y Louis Lumiére son considerados los verdaderos padres del cine. Además de inventar el cinematógrafo, fueron los directores del primer film propiamente dicho. Come se llamaba este film.
a. El Regador regado
b. La salida de los obreros de la fábrica Lumiére
c. La llegada del tren

02. En Francia surgen varias productoras, al popularizarse el cine, dos de las cuales fueron grandes rivales. Una de ellas tenía como logotipo a una margarita, la Gaumont. La otra tenía un gallo como distintivo. De cuál se trata.
a. Star Film
b. Pathé
c. Film d´art

03. Cuál de las siguientes películas fue dirigida por Fritz Lang.
a. Nosferetu
b. Metrópolis
c. Doctor Jekyll y Mister Hyde

04. La caída de la casa Usher (1928), de Jean Upstein, contó con la colaboración de un joven asistente de dirección. De quién se trataba.
a. René Clair
b. Luís Buñuel
c. Jean Rrnoir

05. Qué actor cómico, que se caracterizaba por usar traje, anteojos y sombrero de paja, y realizar mil y una acrobacias, protagonizó el film “El Hombre Mosca”, en 1923.
a. Buster Keaton
b. Harry Langdom
c. Harold Lloyd

06. De qué nacionalidad era la famosa actriz Greta Garbo.
a. Estadounidense
b. Alemana
c. Sueca

07. Qué actor fue la estrella del cine de gángsteres de la década del treinta.
a. James Stewart
b. James Cagney
c. James Newton

08. Qué actor interpreta el papel de Drácula en la primera versión.
a. Bela Lugosi
b. Boris Karloff
c. Peter Lorre

09. Cuál fue la primera película sonora del gran Charles Chaplin.
a. Luces de la Ciudad
b. Tiempos Modernos
c. Candilejas

10. En el año 1939 se estrenó la película “Stagecoach”, de John Ford, un Western emblemático. Cómo se tituló en español.
a. La diligencia
b. La diligencia del Oeste
c. La patrulla perdida

11. Una de las mejores películas de todos los tiempos, “Ciudadano Kane”, tuvo como frase célebre, una palabra que pronunció antes de morir Charles Foster Kane, representado por Orson Welles. Cuál es la palabra.
a. Lilliput
b. Xanadu
c. Rosebud

12. El gran realizador, Elia Kazán, expuso el tema del racismo en su película;
a. Nido de Ratas
b. La Ley del Silencio
c. La Barrera Invisible

13. En una de las siguientes películas dirigidas por John Huston, su padre trabajó como actor. De que película se trata.
a. La Biblia
b. El Tesoro de la Sierra Madre
c. Cayo Largo

14. En qué film debutó Richard Widmark, uno de los actores más identificados con el cine Western y principalmente con el cine negro. Acaba de fallecer en Abril de 2008.
a. El Beso de la Muerte
b. Manos peligrosas
c. Adiós, muñeca

15. Cuál es el apellido de la señora, interpretada por Anne Bancroft, que seduce al novio de su hija, en la película “El Graduado”, de Mike Nichols.
a. Mrs. Miniver
b. Mrs. Robinson
c. Mrs. Wilson

16. Quién protagoniza “Pandilla Salvage” o “The Wild Bunch”, de Sam Peckinpah.
a. William Holden
b. Dustin Hoffman
c. Warren Beatty

17. Mientras Marlon Brando lanzó a la moda, la ropa de cuero en el film “El Salvaje”, otro actor contribuyó a imponer los pantalones Jeans y los Sweaters. De quién se trataba.
a. De Warren Beatty
b. De James Dean
c. De Woody Allen

18. La película “Doctor Zhivago”, transcurre en los días de la revolución rusa. En la trama del film, Omar Shariff, quien representaba a un médico, deja a su esposa para vivir un apasionado romance con una joven interpretada por Julie Christie. Cuál es el nombre de la joven.
a. Maia
b. Tonya
c. Lara

19. Cuál es el título de la película de James Ivory, en la que Anthony Hopkins interpreta brillantemente a un mayordomo.
a. Regreso a Howard End
b. Lo que queda del día
c. Un amor en Florencia

20. La película “Secretos y Mentiras”, del director Mike Leigh, en 1996, es una historia de revelaciones familiares. Cuál es el principal secreto que se esconde en la familia.
a. El Padre abusaba sexualmente de su hija
b. La Madre tenía una hija extramatrimonial de raza negra
c. La Madre y el Padre eran adictos a las Anfetaminas

21. En la película “Billy Elliot”, de Stephen Daldry, el joven protagonista, es un chico de los suburbios londinenses que sueña con ser;
a. Cantante
b. Boxeador
c. Bailarín

22. Hubo un Festival que fue fundado como pantalla, para el mejor cine producido en el mundo, instrumento propagandístico del partido fascista durante los años treinta. Cuál es este festival.
a. Festival de Roma
b. Festival de Florencia
c. Festival de Venecia

23. Julia Roberts es la hermosa prostituta que conquista a Richard Gere en la película “Mujer Bonita”. Quién es el director.
a. Garry Marshall
b. Joel Schumacher
c. Rob Reiner

24. La película “Buenos Muchachos” o “Goodfellas”, de Martín Scorcese, está narrada desde la perspectiva de Henry Hill, uno de sus personajes. Quién interpreta éste papel.
a. Robert De Niro
b. Joe Pesci
c. Ray Liotta

25. Hacia adónde huían Thelma y Louise, en el film del mismo nombre, dirigido por el maestro Ridley Scott.
a. Canadá
b. México
c. San Salvador

26. Cuál de los siguientes actores, no forma parte de la película “Tiempos Violentos” o “Pulp Fiction”, de Quentin Tarantino.
a. Bruce Willis
b. Harvey Keitel
c. Sean Penn

27. Quién interpreta a la esposa del personaje de Brad Pitt en la película “Seven” o “Pecados Capitales”, de David Fincher y que contó con la participación de Morgan Reman.
a. Jennifer Aniston
b. Cameron Díaz
c. Gwyneth Paltrow

28. Quién interpreta al paciente inglés en la película del mismo nombre y dirigida por el recientemente fallecido, Anthony Minghella
a. Jeremy Irons
b. Liam Nelson
c. Ralph Finnes

29. En qué película de los Hermanos Coen, actúa brillantemente Jeff Bridges.
a. Muerte en las Flores
b. Fargo
c. El gran Lebowsky

30. Cuál de los siguientes actores no interpretó a Wyatt Earp en el cine.
a. Kevin Costner
b. Henry Fonda
c. Emilio Estévez

31. En cuál de las siguientes películas, la grandiosa actriz Meryl Streep, interpreta a una lesbiana.
a. La decisión de Sophie
b. Las Horas
c. La Muerte te sienta bien

32. Cuál fue la primera mujer de raza negra que ganó un premio Óscar como actriz protagónica.
a. Whoopi Goldberg
b. Halle Berry
c. Queen Latifah

33. Cuantos años median entre las dos últimas cintas de Terrence Malick, “Días del Cielo” y “La Delgada línea roja.
a. Cinco
b. Diez
c. Veinte

34. Que actor interpreta al ex –presidente norteamericano Richard Nixon, en el film de Oliver Stone.
a. Anthony Hopkins
b. Jack Nicholson
c. Anthony Perkins

35. Cuál es la ópera prima del director norteamericano de origen indio, M. Night Shyamalan.
a. El Protegido
b. El Sexto Sentido
c. Señales

36. Quienes hacen pareja en la película “Señales de Amor”, de Peter Shelsom.
a. Tom Hanks y Meg Ryan
b. Hugo Grant y Sandra Bullock
c. John Cusack y Kate Beckinsale

37. En qué película trabajaron juntos Ryan O´Neal y su hija Tatum O´Neal.
a. Luna de Papel
b. Que pasa, director?
c. La Última película

38. Que película, de las que se nombran no pertenece al genial David Lynch.
a. Terciopelo Azul
b. Dune
c. Blade Runner

39. A que se dedican los personajes de Nicolás Cage y Elizabeth Shue, en “Leaving Las Vegas”, de Mike Figgis.
a. Una Bailarina y un Corógrafo
b. Una Secretaria y un Vendedor de Seguros
c. Una Prostituta y un Alcohólico

40. La novela “Petróleo”, en el cual Paul Thomas Anderson, se inspiró para hacer una de las mejores películas norteamericanas de los últimos 20 años, fue escrita por;
a. Upton Sinclair
b. Percy Adlon
c. Alexander Kluge

Suerte, PEPE DERTEANO.


sábado, 5 de abril de 2008

“El Orfanato”, un, dos, tres, toca la pared.












Confieso que cuando era niño y luego adolescente, las películas, en general, y no solo de terror, me causaban cierta indiferencia. En mi familia no existía una sólida vocación por el cine. Eran otros tiempos, mi madre nos llevaba siempre a espectáculos que venían de fuera, sean circos, conciertos, patinaje sobre hielo etc., pero no era primordial ir al cine. Mis tías, si tenían la costumbre de ir con mis primos y siempre me invitaban a ver películas, mayormente comedias, musicales y del género religioso, que eran muy comunes en esos tiempos. Como homenaje a mi querida tía María Muente, ya que la ocasión se hace propicia, la primera vez que pisé una sala de cine, fue el Metro, en el mismo centro de Lima, haciendo mi debut cinematográfico, con la película italiana “Fratello Sole, sorella Luna”, 1972 de Franco Zefirelli. Trataba sobre la vida de Francisco de Asís, quien a pesar de pertenecer a una familia de comerciantes muy prospera, renuncia a su acomodada vida y a la totalidad de sus posesiones para dedicarla a Dios y a los más pobres. Fue todo un suceso que me hacía ilusionar en la gran pantalla. Fue un domingo de tarde, inolvidable. Me gustó el cine, su ambiente, su solemnidad, el comer un dulce simultáneamente al visionado y me quedó una sensación muy grata grabada en la memoria. Pero a medida que los años fueron pasando, viendo musicales, comedias y filmes religiosos, las películas de acción, de suspenso y de terror, iban despertando en mí, un reiterado amago de interés por descubrirlas. Ya la caja boba, era la moda de aquel momento y me quedaba aún la duda de poder ir al cine en solitario, para volver a disfrutar de aquella extasiada sensación anterior, pero esta vez, acompañado de mí mismo y poder sentir, la majestuosidad de la pantalla gigante. Como en cualquiera de los casos, existían marchas y contramarchas, nunca terminaba por concretar. Escuchaba las conversaciones de los primos o tíos mayores, incluso de los amigos del barrio, quienes hablaban casi con desprecio del cine de terror. Como era muy crédulo, simplemente, optaba por hacerles caso. Por lo tanto el género de terror ha pasado por mi vida adolescente, casi inadvertido, ya que me preguntaba, con cierta lógica de timidez casi púber, cual era la razón para verlas, sea en casa o yendo al cine, si no me atraían, justamente porque no le agradaban a mis referentes inmediatos y confiables, además que al no preguntarles, no había dialogo posible, y me sacudía el temor de llegar por voluntad propia al límite, produciéndome un mal rato a mi mismo. Que ventaja podría sacarle a una disforzada visita al cine, cuando, desde que estaba observando la cola de la boletería, de pasadita, no me encontraba mínimamente convencido de lo que estaba aconteciendo, tratando de canalizar mis dudas y hasta temores, con las adustas miradas de aquellos pseudo-masoquistas, que impacientes y esperanzados, destilaban ganas y babas por entrar a la sala de barrio, para que empiece a rodar el género, que yo no podía comprender. Es decir, tener que pagar para autoflajelarme visualmente, observando películas, que supuestamente me producirían rechazo, temor o hasta estupor, era un sacrificio demasiado riesgoso. Además, todo era una simple ilusión porque el dinero no alcanzaba, y si me alcanzaba, prefería irme a disfrutar de un buen plato de Lomo saltado al recordado Tambo. Pero los meses fueron pasando hasta que fue mi hermana mayor, Mariela y su actual esposo, quienes me convocaron un sábado por la tarde, matinée, al cine Roma, en ese entonces moderno y concurrido, - cine donde logré colarme con arte y estilo para ver “2001, Odisea en el espacio” en 1974, año en que llegó a Perú -, ingresando y sentándome cómodamente en butaca para ver la película del momento, “Tiburón” en 1975, que sí venía catalogada como una cinta de terror. Todo estaba desarrollándose tranquilamente, una trama pausada y sin sobresaltos, hasta que con astucia y quizás con una dosis de humor gris, el joven Steven Spielberg, nos había adormecido a todos, cuando de pronto, nos pegamos el gran susto de nuestras adolescencias, apareciendo intempestivamente, y emergiendo del fondo del mar, la cabeza del tiburón asesino, un muñeco que para los tiempos, era una cabal proeza técnica. Fue una sensación contradictoria, poco agradable y ahí empezaron mis malas vibras con el género. Luego pasaron los años y entendí al cine de terror, como una posibilidad de superar mis temores y sin pensarlo dos veces me enfrenté a ese gran fantasma que pululaba por mi mente y que me tenía atrapado, lográndolo entender, domarlo y dejarlo en el recuerdo de una juventud difícil, como creo que todas. .Pues bien, he visto algunas películas del género y no es mi favorito ni mucho menos, No me gusta divertirme sufriendo o estando incómodo, y menos pagar por ello. De las que recuerdo en este momento, logré ver, “Pesadilla en Elm street”, “Poltergeist”, “El Exorcista”, “Viernes 13”, “Halloween”, “El resplandor”, “Los otros”, “El Sexto sentido”, “Psicosis”, “El aro”, “El Bebe de Rosemery”, “La mano que mece la cuna”, “El Silencio de los inocentes”, “La Semilla del diablo”, “Estigma”, “Los Pájaros”, “Al final de la escalera”, “Darkness”, “Nosferatu”, “Carrie”, “Funny Games”, “El Proyecto de las Brujas de Blair” y algunas pocas más que se me escapan de la mente. Si por casualidad, algunos de los metrajes nombrados no pertenecen al género, espero que comprendan mi supina ignorancia. Si ustedes me preguntaran, si he sentido pánico, terror o miedo, cuando he visto éstas películas, la respuesta sería que no, que jamás, porque gran parte de ellas, las he visto a partir de los 30 años, ya sea en VHS o DVD, cuando ya mi personalidad estaba definida. Creaba el ambiente propicio, oscuridad total, de madrugada, pero no me lograba conmover. Entiendo perfectamente, que muchos de ustedes, son aficionados de verdad, que sienten una verdadera inclinación hacia este género y que lo disfrutan al verlos, y la verdad, me da mucho gusto que así sea y los felicito. Cada quien es amo y señor de su propio destino, hasta en el subjetivo laberinto de la cinematografía. Pues bien, voy a tratar de compartir con ustedes, una resumida información básica, de la historia de éste importante género, que se ha convertido en el líder de las taquillas, en casi todo el mundo.

Éste género hace referencia a todas aquellas películas que producen una sensación de temor, pánico y angustia en el espectador. Para conseguirlo, el realizador no duda en utilizar cualquier truco barato o sofisticado que esté a su alcance, ya sea visual, o sonoro, con el fin de convertir la producción en un escenario donde el misterio, la inquietud y, en ocasiones, la truculencia, caminan de la mano. Decir, cine de terror, es decir, cine fantástico, pero también, goza de una estrecha vinculación con el género de ciencia ficción. Siguiendo la tradición de la novela gótica, fuente en la cual el terror cinematográfico, ha saciado su sed de manera reiterada, el horror comprende toda una serie de sensaciones entre las cuales se incluye también, aunque no parezca, al amor. Los malvados protagonistas del género, aman y sufren cuando no son amados a causa de su esperpéntico aspecto. Por eso, el dolor los conduce directamente a la desesperación y la muerte, como sucede con “El fantasma de la Ópera”, en 1925, de Rupert Julian, personaje terrorífico de larga tradición. Cuando ese amor se transforma en un sentimiento enfermizo, deforman la realidad y entonces nace el psicópata, elemento clave desde “El fotógrafo del pánico” en 1959, de Michael Poseí, y sobretodo, a partir del atormentado Norman Bates de” Psicosis” en 1961, del maestro Alfred Hitchcock. Un tercer grupo comprende, a aquellos asesinos despiadados que no necesitan motivación alguna para matar. Este es el caso de la pavorosa “Los pájaros” en 1963, también del maestro Alfred Hitchcock y del voraz “Tiburón” en 1975, creado por la mente superlativa de Steven Spielberg. Pero esta temática, no sólo incluye al reino animal. También algunos humanos matan sin razón aparente, y si no, que se lo pregunten a Hannibal Lecter de “El silencio de los Inocentes”, en 1990, de Jonathan Demme. En la evolución del género, la estética del cine de terror, siempre estará en deuda con el expresionismo alemán y obras como “El Golem” en 1920, de Paul Wegener y Henrick Galeen, y la inolvidable “Nosferatu”, en 1922, de F.W. Murnau. Su influencia, se siente de manera temprana en el cine americano mudo, con producciones de enorme interés como “El hombre y la bestia” en 1920, de John Roberston, en la que John Barrymore que recurre tan sólo a algunos trucos de cámara, y su gesticulación para dar vida a Mr. Hyde, el lado tenebroso del Doctor Jeckyll. Uno de los actores emblemáticos del género, Lon Chaney, protagoniza “El Jorobado de Nostradame” en 1923, de Wallace Worsley, y una vez más, un ser monstruoso muere por amor. Pero la etapa de verdadero esplendor del cine de terror en Hollywood es, sin duda, la de los años 30. En esta década, los estudios Universal, dirigido por Carl Laemmle, pone de pie, a los que van a ser los grandes mitos del terror clásico. “Drácula” en 1930, de Tod Browning, “Frankenstein” en 1931, de James Whale, “La Novia de Frankenstein” en 1935, del mismo James Whale, “El hombre y el monstruo” en 1931, de Rouben Mamoulian, “La Momia”, en 1932, de Karl Freund, “La máscara de Fu manchú” en 1932, de Charles Brabin, y “El Hombre Lobo” en 1935, de Stuart Walker, Estos largometrajes, sientan las bases del posterior devenir y afianzamiento del terror cinematográfico, en el que el cine de la Hammer británica, será, por muchas razones, la alumna aventajada. Dos rostros, Boris Karloff y Bela Lugosi, se convierten en alter ego de Frankenstein y Drácula, y cualquier caracterización posterior que difiera de la suya, suscita en el espectador un sentimiento de rechazo. La perfección en la estética de ambos personajes fueron íconos que hasta hoy se reconocen. Un capítulo aparte merece el film “La parada de los monstruos” en 1932, de Tod Browning, en donde éste reúne a verdaderos seres horripilantes y deformes, dejando, el horror, un sano divertimento para convertirse en un espejo atroz de la sociedad. Pero no sólo de mitos clásicos vive el terror y por eso se configuran títulos como,”La mujer pantera” en 1942 y “Yo anduve con un zombie” en 1943, ambas realizaciones de Jacques Tourneur, que cortan el aliento e invaden el horror más traumante en la sala de exhibición. Este genial cineasta también aborda el tema del rey de las tinieblas en “La noche del demonio” en 1957, cuyo título es sugerente. Luego de estos largometrajes, se suceden películas extremadamente sobrecogedoras como “La semilla del diablo” en 1968, del genial Román Polanski, “El exorcista” en 1973, de William Friedkin, y la película española “El día de la bestia” en 1995, de Alex de la Iglesia, han empujado a un sector mayoritario y aterrorizado de público, a profesar una ferviente devoción por la fe. Los 50 son los años de la Hammer y de la Serie B, que en Roger Corman, encuentra su máximo exponente, para posteriores décadas. También en los 60, la siniestra “Canción de cuna para un Cadáver” en 1964, de Robert Aldrich, insinúa de manera temprana lo que puede llegar a mostrar el cine conceptualizado como GORE, - término inglés que significa literalmente, sangre derramada, es decir, el intento macabro de graficar el terror más sádico y directo, a través del asesinato brutal, el descuartizamientos y la muerte sangrienta, en películas como, la pionera “Blood Feast” en 1963, de Hershell Lewis, “La Noche de los muertos vivientes” en 1968, de George Romero, “La matanza de Texas” en 1974, de Tobe Hooper, “ Mal gusto” en 1987, de Peter Jackson“, “Reanimador” en 1985, de Stuart Gordon, “La última casa a la izquierda” en 1972, “Pesadilla en Elm Street” en 1984, ambas de Wes Craven, “Posesión Infernal” en 1982, “Terroríficamente muertos” en 1986 y “El Ejército de las Tinieblas” en 1992, trilogía de Sam Raimi, “Halloween” en 1978, de John Carpenter, “Viernes 13” en 1980, de Sam Cunningham, “ Scream” en 1996, de Wes Craven; han constituido los largometrajes más representativos de éste sub-género -. Igualmente es digno de resaltar el definitivo asentamiento de la figura del psicópata en films como “El estrangulador de Boston” en 1968, de Richard Fleischer, “Seven” en 1995, de David Fincher, y “Tesis” en 1996, de Alejandro Amenábar, que siempre se debaten entre el thriller suspenso y el horror. Asimismo, el terror psicológico, alejado de efectistas trucos de maquillaje, se afianza como un sub-género en continuo desarrollo, al igual que todas las producciones que hacen referencia al fantasmagórico mundo de los espíritus. La inquietante “El otro”, en 1972, de Robert Mulligan, “Al final de la escalera” en 1979, de Peter Medak, explican muy bien este porqué. Aunque todavía hay que esperar unos años para que M. Night Shyamalan y Alejandro Amenábar sorprendan a un público que cree saberlo todo acerca de los espectros terroríficos de la pantalla grande con “El sexto sentido” en 1999 y “Los otros” en 2001, respectivamente. Aún así, títulos como “Un hombre lobo americano en Londres” en 1981, de John Landis, “En compañía de lobos” en 1984, de Neil Jordan, “Drácula de Bram Stoker” en 1992, de Francis Ford Coppola, “Cronos” en 1993, del mexicano Guillermo del Toro, y “Frankenstein de Mary Shelley” en 1994, de Kenneth Branagh, confirman que los viejos mitos no pasan de moda. Hoy en día, mientras el terror americano subsiste con sagas de adolescentes mutilados, el cine de terror oriental se empieza a imponer contundentemente entre el público mundial con films como el japonés “The Ring” en 1998, de Hideo Nakata, y muchísimos más, que naturalmente, la gran industria de Hollywood se apresura en copiar, y mejorar para ambientarlo al público norteamericano y del resto del planeta. Son muchos los remakes que se han instalado en nuestro país en los últimos 08 o 10 años, como una suerte de remembranza de los films de terror originales. Solamente quisiera agregar, que el cine es ficción, diversión y subjetivismo, pero que la elección es siempre la que emana de la voluntad del espectador.

Es la primera vez que voy a comentar una película de terror, aunque no la haya sentido como tal, pero les aseguro que es una buena oportunidad para que asistan y se diviertan porque “El Orfanato” no es ningún experimento ni algo semejante, es una historia mil veces vista y rebuscada, pero tiene esa esencia, que brota de la inteligencia y capacidad imaginativa del extraordinario Guillermo del Toro, aquél gordo barbudo encantador, que dirigió la mejor película en idioma castellano de todos los tiempos, “El Laberinto del Fauno”, quien inmerecidamente, perdió el Óscar a manos de la también espectacular cinta alemana “La Vida de los Otros”, pero que se ganó el corazón de millones de personas. “El Laberinto del Fauno”, es la película en idioma castellano, - co-producción mexicana y española -, más taquillera de todos los tiempos, superando largamente a la espectacular “Como Agua para Chocolate”, ese melodrama surrealista y gastronómico mexicano, basado en la novela de Laura Esquivel, un verdadero “boom” a principios de los noventa. Pues bien, Guillermo del Toro, es el productor de la película “El Orfanato”, y se nota que su ingenio y capacidad están en la piel de éste largometraje, en donde realiza su primer largometraje el joven director catalán, Juan Antonio Bayona, quien hace un destacadísimo debut en la pantalla grande, con una ópera prima, hiper-publicitada por tierras españolas y continentales. Este Señor posee una convincente trayectoria dirigiendo video clips para grupos musicales como “Fangoria”, “Ellos” “OBK”, “Camela”, o “Ella Baila Sola” y también, para conocidos y seductores anuncios publicitarios, hecho que no tardarán en darse cuenta nítidamente, durante el visionado del film. Finalmente, y antes de entrar de lleno al comentario, decía que la mente prodigiosa del maestro Del Toro, influye en la dirección de Bayona, pero no la condiciona, ya que, Del Toro, se ha caracterizado por dotar a sus films, de una estética higiénicamente reluciente y ambientaciones tratadas con suma espectacularidad, creando ambientes tétricos y agobiantes o situaciones mágicas y de terror compasivo. Su estilo está marcado por su inclinación hacia los simbolismos, hecho que Bayona sabe, adapta con mano templada y cambia de ritmo. En fin, un reto para ustedes y sobretodo para mí. Espero que les vaya a gustar.

Debe de ser complicado, estresante y a la vez muy reconfortante, el poner en boca y ojos de todos, una ópera prima, más aún tratándose de un género bastante disperso, manoseado, redundante, pero a la vez, necesitado e idolatrado, por una masa consistente y cada vez más creciente de cinéfilos, que busca encontrar emociones al límite o sencillamente una forma de diversión no convencional. Mucha gente justifica largamente, el pagar un boleto de entrada, para sentir pánico, miedo, angustia e intimar visualmente con fantasmas, médiums, puertas que se abren o se cierran por arte de magia, objetos que se mueven o trasladan de lugar, luces que se prenden y apagan, sombras, ruidos no acostumbrados, una oscuridad silenciosa y vacilante etc., situándose, crédulos y emergentes, por varios minutos, dentro de todo aquello que, el más allá les proponga, como novedoso y alternativo, sea con o sin sangre, extremado morbo o quemando neuronas, para que así se les renueve el inventario mental del terror o les relaten una historia capaz de satisfacer aquel particular gusto por lo subrepticio o la sublimación de lo maniqueo, paroxístico y delirante. Pues bien, “El Orfanato”, es una especie de farmacia del terror, aunque a mi me resulte más apropiada la frase, farmacia del suspenso, porque tiene casi todos aquellos remedios o respuestas para esos hipocondríacos y hasta afrodisíacos males, que insumen aquellos mortales que se deleitan y disfrutan con lo macabro, lo cruel, y lo inescrupuloso, como así lo representan las almas desposeídas y deudoras, que en vez de mudarse a mejor vida, se quedan entre nosotros, para hacernos una vida hostil, pero a la vez suculenta, agradable y seductora. Y no hay que ser muy acucioso, informado o memorioso, para darse cuenta que el género de terror, producido en la madre patria, no es ninguna novedad, y menos un apoteósico acontecimiento fílmico. Los también largometrajes, “The Others” en 2001, del director, guionista y músico español Alejandro Amenábar, “Darkness” en 2002 y “Fragile” en 2005, ambas del director y guionista español Jaume Balagueró, y la sensacional “El Laberinto del Fauno” en 2006, del director y guionista mexicano Guillermo del Toro, pero producida por capitales mayoritariamente españoles, son una legítima muestra del pasado inmediato, de cómo ha evolucionado la antología fílmica española, con respecto al mencionado género. Muchos harán comparaciones o argumentarán con torpeza, que el film “El Orfanato” es una burda copia o un gemelo fílmico, de alguna de las películas antes nombradas o de otras, aquellas norteamericanas, francesas o hasta de los invasivos films provenientes del lejano oriente. Para mí, que no tengo predilección por el género, ni me interesa en lo sustancial su perfeccionamiento, la tengo obligadamente que conceptuar, como una curiosa imbecilidad más, de aquellos que no logran distinguir el talento y la genialidad creativa del acomplejamiento y la estupidez. Un remake no es una copia, ni pretende serlo; simplemente es una posibilidad, en el intento de superar al original. Algunos lo logran, otros mueren en el intento. Pero aún así, “El Orfanato” no es ningún remake, menos una postal antigua y mucho menos una burda copia, es una buena película, si bien limitada en algunos aspectos, bastante original y competente. Otros dirán, ya fundamentados en el retardo y la ineptitud mental, además de lucir unas hermosas anteojeras que usan los caballos pura sangre, que es un rompecabezas reciclado y rearmado, con infinitos títulos importantes, que ha brindado el género, en el transcurso del tiempo, un refrito de imágenes y diálogos ya antes vistos. Entonces, siguiendo esa absurda y patética teoría, el fútbol no existiría y Woody Allen, Quentin Tarantino, Martín Scorcese, Michael Mann y una centena más de cineastas, deberían estar purgando condena perpetua, recluidos en la cárcel de lo inverosímil, por el celestial delito de indebida apropiación intelectual. Con Tarantino, la cosa cambia, lo deberían meter bien adentro, por unos cuantos meses, no por esto, sino por una inusual conducta, que refresca con su inacabable sentido de la locura humorística y con una que otra sustancia no proteica ni vitamínica. Pero, fuera de toda broma, vayamos a la película. Sinceramente, pase un momento agradable, divertido y sobretodo muy concentrado, en algo que supuestamente me desconcentraría sin dudarlo. No voy a hacer referencia literal ni profunda de los actores, porque simplemente no los conozco, aunque a la actriz protagónica, una bella y fotogénica cuarentona, que está para relamerse los dedos, y que me parece haberla visto, en un papel menor, en la película ganadora de un Oscar, “Mar Adentro”, junto al ahora genial, Javier Bardem. En “El Orfanato”, su novel director, Juan Antonio Bayona, me sorprendió gratamente, por su versatilidad y su capacidad de realizar las cosas bien hechas, como realmente corresponde hacerlas, es decir, en forma ortodoxa, apegada a las normas básicas del buen cine, casi académicamente. Esto suele venir con un pequeño inconveniente, pero que no le resta mérito alguno, la falta de una personalidad propia, concepto que se diluye por ser un debut auspicioso y creíble. Aún es muy prematuro llamarlo maestro, aunque se está construyendo este adjetivo, pero se comporta como tal y eso ya es un gran mérito. Como diría el Coppola de 1992, con tres tragos bien puestos; un hombre con oficio y con un presente digno, como el mío. Ojo que me estoy refiriendo a la película y no al género. Bayona consigue un manejo visual consistente, sin altibajos, con prestancia y demostrando una confianza absoluta en su capacidad de dirección, seguramente monitoreada por Guillermo del Toro y el conocido guionista Sergio Sánchez; quien también se luce en lo suyo, exponiendo su talento sin lugar a dudas; durante la planificación del film y algunas charlas de estilo, preparatorias. Esto lo menciono porque es notorio y fácil de percibir. Técnicamente, la película es irreprochable, planos externos e internos de todo tipo, generales; cortos, medios y largos, primeros planos, planos detalle, todos con angulaciones sugerentes y correctamente realizados, también los famosos picado y contrapicado, hechos con justeza, sin ser excesivos ni glotones; Ej., la mansión, la playa, la cueva, el bosque, los rostros, los personajes, los pasadizos, las habitaciones, los recovecos, los sótanos etc., vale decir, un formato de rodaje muy prolijo y sin fallas. Esto ayuda enormemente en metrajes donde casi un 90% se rueda en el interior de una determinada locación, ya que el corazón del mensaje, queda encerrado y no deja sospechas de cortes, ni de nudos en el transcurso del guión. Es decir, el espectador, no se distrae ni se pierde si se cambia a una toma externa, porque su mente ya está situada dentro de la locación principal. Y esto suele suceder en éste tipo de films, en donde uno de los personajes principales es la propia mansión, en este caso el orfanato o posterior vivienda de los protagonistas. El diseño de producción, obviamente en estricta coordinación con la dirección artística, es muy bueno, realmente adecuado, porque no falta nada importante y todo está en su sitio, desde los cuadros, los garabatos de Simón, las fichas de los juegos, las fotografías de los difuntos, los muñecos de los niños, los monitores de la médium, los muñecos de porcelana, el piano, en donde los esposos tocan un hermoso contrapunto entre agudo y grave, que genera automáticamente la correcta musicalización de la propuesta, pero que pareciera fallar minimamente en algunos instantes claves del relato. También es muy digno de destacar, el aspecto sonoro del film. La diversidad de sonidos que se emiten, así como su sugerente mezcla, cumplen su cometido con creces, porque su menor o mayor intensidad, está relacionada, con esa misma proporción que demanda con suma precisión, una determinada secuencia o escena. Hay pequeñísimos excesos, que golpean levemente, casi como ruidos disonantes, pero son mínimos y soportables. Lo que sí tengo que puntualizar, es que la dicción de los personajes es bastante irregular. Si se colocaban subtítulos en castellano, hubiera sido de gran ayuda, porque a nuestros hermanos españoles, cuando pisan el acelerador, se les entiende menos que a un periódico mojado. Hablan correctamente el español, más no el castellano. Los mismos espectadores españoles han de haber tenido algunos problemas. Si tendríamos que hablar de excelencia, a parte de Bayona y Sánchez, no me queda duda que la dirección artística se lleva un soberano aplauso, realmente me quedé boquiabierto. No es un trabajo sencillo el decidir sobre la apariencia estética de la película a partir del guión. Como el guión es muy bueno, el trabajo del director artístico y del director fotográfico, excelente trabajo, se fusionan con una capacidad asombrosa. Eso es lo que realmente sucede en “El Orfanato”, La fotografía, la escenografía, los decorados, la utilería, el maquillaje y los efectos especiales, - ambos muy destacables -, los paisajes y principalmente, dos características, darles una personalidad sorprendentemente creíble a los personajes de ficción así como la creación de un clima, una atmósfera, que ayude a expresar, con verdadero dramatismo una determinada acción, ambas son fundamentales en la continuidad de la película. Esta especie de coordinación general, es fácilmente el 50% de la calidad y el éxito de “El Orfanato”. Yo comentaba anteriormente, que para mí no era una película de terror, sino un thriller de suspenso, y lo digo, porque no llega a crear momentos de tensión demasiado fuertes, impresionantes y extremos. Hay algunas pocas escenas, dotadas con una dosis de verdadero suspenso, pero que no llegan a asustar ni a causar que sudemos la gota fría, ni te baje la presión arterial. Acá tengo que hacer la salvedad que alguien me pueda enmendar la plana y decir que estoy equivocado y seguramente así sea. Pero cuando fui al cine, me percaté de lo que estoy afirmando y quizás las mayores sensaciones de temor u horror, que observé, eran algunas risas nerviosas de las espectadoras mujeres. Y acá juega el papel de los intérpretes. Sin conocer la trayectoria de los mismos, me atrevería a conceptuar lo siguiente; qué es mejor para una película, que existan una o dos estrellas, que hagan una gran diferencia, robándose el show y la cámara o que los actores sean buenos, de un mismo nivel, nuevos o reconocidos, pero que destaquen en lo general y no en lo individual. Para mí, se impone una labor en conjunto, basada en el sacrificio y talento individual. Ya lo vi, hace muy pocos días, en ese excelente film, “Luz Silenciosa”, todos amateurs, sin preparación alguna, nativos de un pueblo menonita en México y sin embargo hicieron una pequeña joya, Y eso es lo que también sucede en “El Orfanato”, todos destacan de acuerdo a lo que les demande su papel, sea protagónico o secundario. Hacen un equipo de trabajo cohesionado y muy profesional, desde los niños, pasando por el pequeñín Roger Príncep, Edgar Vivar o el señor Barriga, Geraldine Chaplin, Montserrat Carulla, Fernando Cayo y todos los demás. Esta amalgama de interpretaciones se logra con meses de ensayo. No hay otra formula. Alguien dirá, pero la actriz principal se carga la película y seguramente no deja de tener razón, pero encaja en la historia como un engranaje más de la maquinaria que fabrican Bayona y Sánchez. De lo que si me atrevería a hablar es de la extraordinaria expresividad dramática que demuestra la actriz Belén Rueda, en el papel de Laura, sobretodo cuando trabaja con el niño adoptado. Una auténtica madre coraje. Hay que estar metido en esa esbelta y bella figura para poder llevarlo a cabo en forma tan extraordinariamente real. Así como, estoy alabando su capacidad histriónica, debo criticar su limitada capacidad de movimiento corporal y gestual, propias de una actriz de televisión o de teatro, pero no de cine. Incluso, si ustedes son observadores, van a ver a una actriz empezar el film con un peso corporal determinado y terminarlo con 08 o 10 kilos menos. Por lo tanto, si hay cohesión, perfeccionismo y talento, el resultado es una buena película como “El Orfanato”. No he hablado de una película excepcional, nunca vista y que rompe los esquemas de la cinematografía internacional. Me he referido a un largometraje prolijamente concebido, excelentemente estructurado y de una muy buena factura.

Quisiera detenerme en el guión de la película. Es una historia perfecta, bien hecha, muy virtuosa y sin baches. Es una trama que sorprende por su integridad y por su credibilidad. Que nadie se asuste, pero estamos ante un escritor de escuela, que con pulcritud, criterio y un ensamblaje espectacular de micro historias, hacen que el soporte narrativo se extienda brillante y silencioso durante el transcurrir del film. Obviamente, Sánchez hace trucos de gran calibre, sin caer en lo morboso ni en lo repulsivo. Todo lo contrario, te brinda una pista, te confunde placenteramente y luego te sirve la solución como en un restaurante francés, con arte y amabilidad. Todo un mérito. En el cine transparente o también denominado, cine puro, hay cuestiones que son integralmente cinematográficas. Este guión, muy americano por cierto, aunque vuelva a llorar sangre la virgen, es el mejor guión de género que he podido apreciar en años. Ojo, un guión literario americano clásico, de los años 30 y 40. Nada complicado, sutil, sobrio, entendible y escrito como se escribía antes y se dejó de escribir ahora. Esa es una percepción que no será fácil de rebatir. Además en el género de terror ya se ha escrito, publicado y llevado al cine todo lo habido y por haber. Sin embargo, Bayona y Sánchez, logran, con todo ese peso en las espaldas, y esas críticas inescrupulosas y tontas, hacer una propuesta novedosa y magistral, sin una escena grotesca ni exagerada. Si eso no es un logro, que alguien más versado en el tema me lo explique con convicción.

Finalmente quisiera, detallar algunas escenas que aún permanecen en mis retinas y que quisiera transmitirlas al grueso del blog.
A) El preciosismo de la escena final donde Laura se suicida y vuelve a ser la niña de El Orfanato, rodeado por sus amigos de antaño y su hijo adoptado Simón, contándoles el cuento de Peter Pan, tiene una subliminal forma de endulzar la película. Un final extraño, pero extraordinario. La conjugación narrativa, visual y musical es un retrato inolvidable.
B) El efecto especial del accidente de la Señora Benigna, madre de Tomás, el niño amorfo, es muy recomendable. Luego se ve con pulcritud y estética, aunque suene feo, una mandíbula inferior despedazada.
C) La escena de la médium, con una Geraldine Chaplin en su justa medida es muy bien lograda, tanto en el recorrido de las cámaras como en la parte estrictamente visual. Esa visita termina con una palabra reflexiva y verdadera, “Ver para creer” no es lo mismo que “Creer para ver”. Simplemente apoteósica.
D) La secuencia, ya Laura mayor, del un, dos, tres, toca la pared, no solo causa tensión sino está situada en un pequeño nudo de guión, del que sale estupendamente el director.
E) La argumentación de Simón sobre sus juegos y conversaciones con sus amiguitos invisibles es una secuencia, dentro de la interpretación infantil, perfectamente estructurada. Muy buenos Coachs de los niños.
F) El tratamiento de los créditos en el comienzo de la película, desgarrando papeles, muy ingenioso y provocador.

Bueno, para finalizar, como en toda película hay yerros, pero que son menores por tratarse de una ópera prima. No es mi intención comentarlos con especificidad, pero si leen entre líneas se darán cuenta a lo que me refiero. Mi objetivo y el de ustedes es construir y no destruir. No puedo criticar una película que me gustó y me pareció una bella forma de invertir mi tiempo. Sería muy poco afecto a mis principios criticar duramente algo que no tiene porque serlo. Solo quiero mencionarles que vayan al cine, vean la película, elaboren mentalmente sus propias conclusiones y luego construyamos una hermosa polémica, como hasta ahora lo venimos haciendo. Ahora les toca el turno a las mujeres.
Saludos para todos y luego de esta publicación les explico el sorteo.
Pepe Derteano