viernes, 20 de junio de 2008

“Duelo de Asesinos”, El salvajismo y su redención.



















Se estrenó ayer jueves 19 en la cartelera limeña, con algún retraso, una más de las célebres e inmortales películas del oeste, que ya tuvimos la ocasión de desarrollar históricamente y con frondosa profundidad acerca de su incomparable esencia y contribución a la masificación del cine, cuando publicamos en el blog el comentario del film “El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford”. También les proporcioné una cuantiosa lista de películas que honraban al género western. Dentro de aquellos sugestivos títulos se encontraba justo en el tramo final, el film “Seraphim falls”, película que comentaremos en esta entrada, pero con el abultado título de “Duelo de Asesinos”. Explicábamos en ese entonces, que los expertos en películas de vaqueros señalaban hasta tres clasificaciones que determinaban el total de las tramas o historias ofrecidas. Los pioneros o colonos, explorando nuevas tierras en búsqueda de formar comunidades, los cowboys y pieles rojas, enfrentados por motivos territoriales, atávicos y sobretodo culturales, y finalmente el de la lucha por la supervivencia, en donde bandidos y hombres de ley combatían sin descanso para salvaguardar los intereses en juego. Es un hecho fáctico, que este tercer estándar dominó el gusto popular y predominó en la realización más extensa del género. Obviamente que han existido excepciones que interrelacionan los tres tipos de estilo y que lograron conformar largometrajes más espaciosos u otros que han minimizado los tópicos generalmente aceptados, buscando ser más dotados en temáticas muy precisas que suelan desempatarse para poder diferenciarse.

Una película como “Duelo de Asesinos” es un claro ejemplo de una fórmula poco explotada en el western convencional, porque fundamenta su historia en la falta de violencia constante, en la ausencia y negación de un odio desmedido, de ese funesto apasionamiento por la invasión y la destrucción que motiva el desagravio y la represalia, del infausto fanatismo por el robo y la delincuencia, y la luctuosa afán del asesinato por la espalda y a quemarropa. Y en este tipo de composición, el realizador David Von Ancken acierta con idoneidad e inteligencia, dejando adormitados los aspectos convencionales del género - el dolor, el disparo, la sangre, la venganza, la muerte etc. -, para solamente revivirlos en determinados momentos en donde tienen que quedar necesariamente instalados. Cuando vi la película me llamó a reflexión y quedé sorprendido gratamente del tino, la lucidez y la capacidad de discernimiento que logra Von Ancken tanto en la elaboración del guión como en su prolija realización, comprometiéndose desde un inicio en un western de formato liviano, sencillo, espontáneo, casi sin afectaciones innecesarias, melindres ni aspavientos, pero muy sustancioso en contenido, con un claro mensaje de fondo resaltando aquellos valores poco usuales rescatados en la mala y la buena época del género mismo, como la redención, la indulgencia, el remordimiento, la humanidad y la complacencia. Se parece en mucho a esa capacidad de estilizar o modernizar el género que tanto les hablé de Andrew Dominik. Hay un parentesco por lo menos en la intención.

“Duelo de Asesinos” es un western atractivo, seductor, fascinante, cautivador, emocionante, enternecedor, trágico, dramático y estridente, que vuelve a reafirmar el concepto que el género no tiene aún partida de defunción, aunque muchos lo quieran enterrar a la fuerza. Muy pocos géneros tan dúctiles y válidos para ejemplificar conflictos emocionales y al mismo tiempo entretener con suma sabiduría, erudición y cultura. Una estructura narrativa simple que parte de una concepción humana muy primaria, rudimentaria como la cacería y la conservación, motivadas por una leve especulación de revancha o una frívola sospecha de alguna deuda no honrada. Ese es todo el argumento principalísimo de esta historia rodeada de una admirable dirección y una interpretación extraordinaria de dos actores irlandeses, que descorchan y desbordan un talento dramático misterioso y secreto. Pierce Brosnan y Liam Neeson, dos fascinadores y dignos representantes de un género cinematográfico de aventuras y héroes, se juntan para hacer ambos y al mismo tiempo, de buenos o malos, de íntegros o despreciables, de justicieros o pecadores, de inocentes o culpables, partiendo de un escabroso convencimiento que el hombre es una criatura capaz de perseguir salvajemente hasta encontrar la presa imposible e imponer la obsecuencia y la docilidad, o hasta replegarse para defenderse brutalmente con las armas que la circunstancia o la casualidad le brinde. Pero en el fondo lo que gobierna la trama, lo que sacude el tejemaneje es lo embrionario, lo primitivo y lo elemental de su naturaleza, la caza, la supervivencia y la venganza.

La ópera prima de David Von Ancken trata precisamente de un ejercicio de contención narrativa y de una prodigiosa estética visual que ilumina enérgicamente un argumento que suele ser rebajado a lo manido, trillado, manoseado y vulgar, por quienes no entienden que una misma historia puede ser contada de mil maneras bajo distintas premisas y usando técnicas más aferradas a determinadas pautas específicas que a la generalidad recurrente. Es muy interesante cómo un realizador puede jugar tan ampliamente contrariando y confundiendo los rasgos morales de sus personajes principales haciendo una rotación de roles que parece intrascendente pero va construyendo la historia en común de dos tipos tan antagónicos pero tan parecidos, tan distantes pero tan cercanos, ambos justicieros solo confundidos por defender intereses opuestos por una guerra de secesión mutilante y descarnada, siendo la fatalidad quien los junta en el momento más inoportuno para empezar a destruir sus vidas que estaban curiosamente depositadas en un mismo ministerio del servicio, en un mismo punto del destino. El guión de Von Ancken tiene características muy llamativas y sugerentes. No requiere los consabidos obstáculos ni serpentines narrativos que enreden, compliquen y revuelvan lo que surge por su simplicidad y limpieza literaria. Para que hacernos la vida imposible si encontré el camino más abreviado y seguro para alcanzar mis objetivos cinematográficos. Si ustedes analizan bien la trama no encontrarán giros argumentales impostergables o descabellados nudos de acción para causar el impacto que cada secuencia y hasta cada escena nos llega a transmitir límpidamente o nítidamente.

Lo que nos ofrece Von Ancken a través de su hermoso largometraje es una fastuosa leyenda o alegoría acerca de la liberación, la emancipación y la redención más absoluta y apropiada. Un perfecto ejercicio ensayístico sobre los frutos o consecuencias que pueden llegar a acarrear la barbarie, el salvajismo y la crueldad más absurda. Muchos dirán, pero Pepe, el tipo quemó la casa donde estaban su mujer, su hijo y un recién nacido, como vas a perdonar o redimir a un sujeto que te despedazó la vida, las ilusiones de seguir adelante, que urdió hasta en la búsqueda de cinco caza recompensas para vengarse sin matarlo. Justamente es ahí, en el final, donde todos caen en el facilismo del desenlace lógico y previsible, creyendo que se quiebra la película y ésta no llega a ser un film estimable. Muy por el contrario, este desenlace es la instancia perfecta para afirmar el mensaje, para entender la misión, ese valor del hombre de bien que el cazador tenía en el alma, ese entendimiento enigmático, ininteligible y arcano de la naturaleza humana habiendo sido la víctima de tamaña desdicha, de una tristeza inigualable y de la adversidad más monstruosa. El ensueño, lo onírico, lo borroso, lo nublado se combina con la realidad, la entelequia, y la esencia para brindarnos un valor agregado altísimo, impagable a la historia. Estoy seguro que al mismísimo John Ford le hubiese llamado la atención y hubiera reflexionado al respecto.

Para finalizar, no quiero advertirles la trama, caer en el facilismo de contar lo que se debe observar, analizar si lo planteado en esta ocasión es un sentimiento de arraigo o desarraigo para con el género. Solo les puedo decir que es una película extraordinaria, porque nos brinda algunos desenlaces extras que no la hacen común y corriente, trillada ni manoseada, ni antes vista. Liam Neeson - “Kinsey”, “Gangs of New York”, “K-19: The Widowmaker”, “Michael Collins”, “Rob Roy” y “Schindler's List” -, y Pierce Brosnan - “Laws of Attraction”, “Evelyn”, “The Tailor of Panamá”, “The Thomas Crown Affair” y “Mrs. Doubtfire” - nunca habían estado tan convincentes, tan camaleónicos, son ellos dos quienes soportan estoicamente el peso de la película. No se pierdan tampoco la increíble aparición de una bellísima Angélica Huston, en la parte final y su incalculable significado en la componenda de las conciencias. Si les hablé maravillosamente de la fotografía del laureado Roger Deakins en el film de Andrew Dominik, Brad Pitt y Casey Affleck, “El Asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford”, tienen que ver esta dirección de fotografía, que siendo más simple es mucho más llamativa. El aprovechamiento de la luz natural y los contrastes con las fogatas, vistas panorámicamente, que realiza John Toll son estéticamente deliciosos. Les doy un buen dato. John Toll es el fotógrafo preferido de Terrence Malick. Saquen sus propias conclusiones. Para resumir, una excelente y entretenida película, con mucha forma, con mucho contenido, un guión simple y extrañamente conciso, unas interpretaciones dramáticas de primer orden, una realización llamativa por el ritmo y la cantidad de escenas magistralmente retratadas. Ojo, no es muy prolífico el duelo, algo lejano, sino los duelistas en sus interpretaciones individuales y gestos cuando están juntos. Lo mejor de la película, el final, una atmósfera de condiciones desérticas con un clímax cinematográficamente hermosísimo y magistral. Cada uno toma su camino por un destino diferente, la guerra no conduce a ningún lado y al final lo único que queda regado es lo que vemos en la última imagen, las armas. Hasta la próxima.
PEPE DERTEANO

viernes, 13 de junio de 2008

“El Fin de los Tiempos”. Un buen film de serie B que intenta sonreir ante la adversidad.












Las películas llamadas de Serie B -en inglés B Movie- no son un género en sí mismas. Muy por el contrario, en esta categoría o apartado tienen cabida films muy disímiles, heterogéneos y hasta contradictorios, ya que la expresión se fundamenta en aquellas producciones cinematográficas de bajo presupuesto, cuyas aspiraciones no son precisamente las más calificadas, actores principiantes, no reconocidos o en decadencia, pobres efectos especiales etc. En cuanto al origen del nombre, algunos opinan que se debe a la denominación de los lugares o locaciones en los que son ubicados los estudios destinados a producirlas. Para otros, tan sólo se alude a la lógica clasificación de estos films, en relación con aquellos de mayor producción que, por tanto, constituirían la Serie A. Más o menos como la diferencia entre los equipos de fútbol de primera con uno de una división menor. En la década de los 30, los grandes estudios de Hollywood confían el encargo a eficientes equipos de directores de la talla de William A. Wellman – “A Star is Born”, 1937, “Buffalo Bill”, 1944, “Battleground”, 1949 -, en los thrillers, y Tom Mix, en los Westerns, el primer gran cowboy de la historia del cine, que siempre acompañado por su caballo Tony, protagoniza algunos films para la Universal, son dos de los géneros que mejor se adaptan a las escasas condiciones de producción. Pero con la crisis de las “Majors”, los seis estudios de cine norteamericanos que dominaban la industria cinematográfica global, - Warner Bros, Metro Goldwyn Mayer (MGM), la Paramount, la RKO, la 20th Century Fox, la Universal, la Columbia y la United Artists-, éstas dejan de producir películas baratas y una serie de productoras independientes van a cubrir ese vacío.

Aunque, como dijimos al principio, son muchos los géneros que toca la Serie B, de hecho siempre se le relaciona con las películas de ciencia-ficción y de terror debido a la proliferación de estos títulos durante la etapa de esplendor de las películas de bajo presupuesto. Así surge la actual concepción de la serie B, es decir, películas sin tener oficio, pero con beneficios, de temática fantástica, visceral y, casi siempre, con sentido del humor. La ambientación acaricia lo austero, los decorados son exagerados, fantasmagóricos y los tonos de color siempre chillones, en competencia directa con el escandaloso rojo de la sangre. Dentro de este nuevo rumbo, el gigantismo, las mutaciones, las alteraciones genéticas y cualquier otra endiablada transformación imaginable, ocupan un lugar de honor, “Them” de Gordon Douglas, 1954, “Tarántula” de Jack Arnold, 1955, “Creature from the Black Lagoon” de Jack Arnold, 1954 y, sobre todo, “The Fly” de Kurt Neumann, 1958, plantean un mensaje claramente anticientífico en unos años en los que es habitual la práctica de experimentos atómicos sin que el ciudadano tenga suficiente información sobre el verdadero peligro de la radiación. En lo relativo al cine de terror, Roger Corman, descubridor de talentos de la talla de Jack Nicholson y Harvey Keitel, es el realizador más destacado. Con un ritmo incesante, rueda una película por semana. De su numerosa obra, merecen un lugar privilegiado los films basados en relatos de Edgar Allan Poe, con la impagable aportación de Vincent Price como protagonista. “The Fall of the House of Usher” de 1960, “The Raven” de 1963 y “The Masque of the Red Death” de 1963, son algunas de este estilo B. También destacan cineastas como Robert Siodmak, Richard Fleischer y Robert Aldrich, que van empezando a desarrollar su estilo en este tipo de producciones.

Fuera de las fronteras del cine americano, hay que destacar las películas japonesas en las que el gigante lagarto Godzilla da rienda suelta a su furia destructora como, por ejemplo, “Godzilla” de Ishirô Honda, 1954, sin lugar a dudas el mejor Godzilla de todos los tiempos. En Gran Bretaña, la Hammer se distingue con series sobre Drácula y Frankenstein dirigidas por Terence Fisher y protagonizadas por Peter Cushing y Christopher Lee. Títulos como “The Curse of Frankenstein” de 1957 y “Drácula, Prince of Darkness” de 1958, los convierten en la pareja emblemática de la Se¬rie B inglesa, a la que Tim Burton rendiría homenaje en “Sleepy Hollow” en 1999. También son dignos de destacar, los films de terror italianos de los 60 y 70 de la mano de Mario Bava, “La maschera del demonio” de 1960, Darío Argento, con su film “Suspiria” de 1977. En España, el actor Paul Naschy - Jacinto Molina Álvarez- es el rostro por excelencia de la Serie B en películas como “La noche de Walpurgis” de León Klimowsky, 1971 y “El retorno del hombre lobo” de Jacinto Molina, 1980. Conviene puntualizar que pese a la escasez de producciones que hoy en día responden a las características de la clásica Serie B, de vez en cuando llegan a las salas producciones como “The Terminador” de James Cameron, 1984, “Predator” de John McTiernan, 1987, con Arnold Schwarzenegger, “The Matrix” de los hermanos Andy y Larry Wachowski, 1999, “Pitch Black” de David N. Twohy, 2000 con la actuación de Vin Diesel, “Equilibrium” de Kurt Wimmer, 2002, “Mars Attacks” de Tim Burton, 2002, “Underworld” de Len Wiseman, 2003, que suponen un homenaje a unas películas que tan sólo pretenden ofrecer entretenimiento y acción, pero que algunas tienen un éxito descomunal y se convierten en films de Serie A. Considero al film de M. Night Shyamalan, “El Fin de los Tiempos” como una perfecta representación del buen cine de serie B, ya que es un largometraje rodado con poco presupuesto y escasas pretensiones artísticas, habitualmente de género mixto, terror, ciencia-ficción, comedia etc., cuyo fin primordial es entretener a espectadores no tan exigentes, excluyendo a los críticos, que como todos sabemos tienen un ego muy difícil de satisfacer.

“El Fin de los Tiempos” plantea en términos metafóricos, que de la misma manera que no existen teorías objetivas sobre el porqué de la desaparición de las abejas en el mundo, tampoco se puede asegurar rigurosamente si es la naturaleza la que está enfrentándose y embistiendo a la humanidad mediante el incisivo y desconcertante cambio climático. El director plantea teóricamente que si los indios americanos han logrado reflexionar intensamente y nos aseguran que todo lo asombroso, sorprendente y portentoso está ligado ineludiblemente a la madre naturaleza, porqué la humanidad no se comporta de acuerdo a esa filosofía existencial tan pragmática, para lograr adecuar su espiritualidad al misterio de la naturaleza proveedora, para poder beneficiarse de forma oriunda, nativa y generosa. En esta película la insinuación escalofriante y temible de una nueva versión apocalíptica está muy bien expuesta y retratada por el director Shyamalan, como una hecatombe, un asesino invisible o un exterminio imparable de la naturaleza hacia el hombre, como si ésta se hubiera dado cuenta lo innoble e ignominioso que ha sido y sigue siendo la humanidad contra quien la protege y hospeda. Quizás la humanidad ha llegado demasiado lejos. Ese apasionamiento por lo misterioso y extraño, al estilo del maestro Alfred Hitchcock, va arrastrando al espectador a intentar develar un enigma hecho con la frescura de un niño inocente y aplicado. La relativa oscuridad de las películas de Shyamalan refleja que esa candidez e ingenuidad está permanentemente amenazada.

Una película difícil de catalogar como un género específico por la pluralidad de composiciones que se pueden observar a lo largo del film. Creo que podríamos conceptualizar un contexto temático que avizoro como los objetivos cinematográficos en la preproducción del film, un fructífero y decoroso homenaje a Steven Spielberg y a Tom Cruise, por la película “War of the Worlds”, además de una incuestionable puesta en escena y afirmación del denominado cine de serie B, que desarrollamos al principio de la publicación. En esta circunstancia agregaría que un film de serie B es un tipo de película muy específica, elemental y sincera o espontánea, con un equilibrio muy ajustado entre lo que pretende, lo que cuesta y lo que consigue, que emplea sus recursos de una forma inteligente y eficaz, con directores capaces de enfatizar los aciertos y disimular los errores implícitos de este tipo de historias, es decir, hacer las cosas creíbles y viables, que es bastante más complicado de lo que parece ser. Siendo el cine el gran arte del engaño, el hecho que una película brinde sinceridad, es algo casi inaudito de observar y que pocos consiguen, aunque las intenciones sean las mejores, casi siempre las presiones y exigencias comerciales acaban alterando el objetivo cinematográfico. Si uno observa con detenimiento la filmografía de Manoj Nelliattu Shyamalan, o parte de la misma, es innegable que “El Fin de los Tiempos”, posee aquellas características reiterativas, solemnes y suntuosas, encuadradas en temáticas con giros casuales y hasta imprevistos, un tratamiento sensato de la escala del género de terror y del thriller correctamente asentado, sumado al elemento estructural dramático que complementa y sostiene esta receta, es decir, una plaga, virus, pandemia o calamidad neurasténica e hipocondríaca, que moviliza un sentimiento colectivo entre la desesperanza, el suicidio y la supervivencia. A este esqueleto o armazón cinematográfico, Shyamalan le añade los ingredientes naturales en dosis apropiadas; confabulación, incertidumbre, idilio, proeza, quimera, espanto y el impostergable humor casi inexplicable pero bien ubicado, para que el espectador se logre engarzar a su propuesta, tratando de descubrir ese embrollado y misterioso entresijo, expandido insólitamente pero en forma prolija por el conspicuo director indoamericano, quién nos instala apropiadamente dentro de un desenlace seductor, inteligente, imperioso y efectivo. Por lo tanto nos hallamos ante una producción consistente, maciza, vigorosa, contada con ese estilo clásico y entonado que en Shyamalan parece dibujar un don privilegiado. Un film donde la trama nace aparentemente de la nada, causando una leve sensación de vacío argumental, pero a medida que transcurre aparece el terror y la incertidumbre que crece de manera envolvente con la ayuda de una idónea banda sonora y una mezcla de sonidos llamativos y pomposos.

En cuanto al guión, éste transita a ritmo parsimonioso pero sumamente seguro por dos caminos recíprocos o análogos; la historia de amor que jaquea la continuidad de un matrimonio en crisis y el truculento peligro indeterminado que fundamenta el abatimiento colectivo. Pese a las virtudes indicadas, es ahí, en el argumento, donde la película nos muestra un aire a cierta lasitud. Shyamalan nos ofrece secuencias conmovedoras, que podrían servir para definir con precisión lo que significa la intriga y la confabulación. Pero también hay alguno que otro momento donde la narración titubea y empieza a perder su encanto y orden, porque la historia tiene obligatoriamente que ser corta, sin mucho detalle o aspaviento. Son alteraciones o anomalías que, como una nota desafinada en un concierto musical, no llegan a estropear de modo alguno el interés de la película, aunque nos desacomode o nos relaje por algunos segundos. Al igual que en otras cintas de Shyamalan, el romance adquiere una intención liberadora y hasta protectora. Su emotividad nunca es ramplona y nos es descrita en clave de familia. Para el talentoso director indoamericano, reflejar el amor es algo tan natural que, a menudo, se consiente la tentación de alternarlo con lo extremadamente opuesto, es decir, un horror primitivo que parece funcionar eficientemente fuera de los moldes o patrones preestablecidos. También existe un manejo de la indeterminación, vaguedad o la ambigüedad, al instalarse junto a la incertidumbre, los continuos silencios de la historia y sus misterios o enigmas sin explicación o solución aparente, que se transforman narrativa y visualmente en el transporte obligado para la expresividad de la película. Nadie está seguro en ningún sitio. Todos están expuestos a este inusual fenómeno, que no aparece, que no se siente, pero que juega con la mente asustada y la imaginación sobresaltada del hombre impotente y desbaratado. Solamente el instinto de supervivencia surge como el albergue solitario, inseguro pero inmejorable.

Las interpretaciones, como sucede en las diversas películas de Shyamalan, van de lo correcto a lo inestimable. Mark Wahlberg está muy asentado, consistente, bastante seguro y desprendido, tanto en el papel del eterno enamorado en conflicto –el que conquista-, el profesor que describe la parábola de las abejas, así como en el protector de su mujer e hijo de su mejor amigo, cuando la desesperación justifica la huída y el refugio. Zooey Deschanel- la conquistada-, se logra ensamblar a la perfección en su papel de esposa inmadura, frágil y distraída. Su presencia denota ingenuidad desde los diálogos hasta sus gestos, confundiéndose con la actitud cándida e inocente de la pequeña Ashlyn Sánchez, hija de John Leguizamo, un buen actor que borra fatalmente lo bueno que realiza con su gesto siempre belicoso y bravucón. Su gran dilema en la película es buscar salvar a su hija o su mujer. Luego, como todos, pone su cuota de humor sarcástico. Ashlyn Sánchez, a quien recuerdo interpretando a la pequeña hija de Michael Peña en “Crash”, hace un papel más gestual, principalmente su mirada, que cruzando algunos diálogos. Betty Buckley, quien interpretó a una profesora de gimnasia en el clásico de terror “Carrie”, le da vida esta vez a la excéntrica Sra. Jones, una desconfiada y solitaria granjera que ofrece refugio a Wahlberg, Deschanel y Sánchez. Una actuación muy auténtica que me hizo recordar a la extraordinaria Geraldine Page.

En los apartados técnicos, una muy aceptable labor de dirección, Shyamalan sabe lo que quiere y lo hace simple, limpio, muy natural, a la antigua, sin buscar complicar lo que temáticamente ya lo es en la mente del espectador. La forma en que usa la cámara sobretodo en las hermosas locaciones exteriores –frondosos paisajes y campiñas-, está técnicamente muy bien lograda. Ayuda mucho que casi el 90% de las escenas esté rodado en exteriores, justamente el motivo principal de la película, el comportamiento de la naturaleza. Debe haber sido complicado manejar el insospechado rumbo y fuerza del viento, un enemigo seguro o un personaje más en estas circunstancias. Un elemento destacado en la película es el sonido. Es tan o más importante que la temática visual. Se nota un trabajo muy profesional sobretodo en la mezcla de los ruidos de los ambientes naturales, en donde cada chirrido, crujido, silbido, estridencia o chasquido tienen que ser perfectamente armonizados por el equipo mezclador. Es muy importante que el espectador pueda sentirse cómodo ya que puede llegar a establecer en el mismo una serie de sensaciones distintas, sea de terror, tensión o hasta relajación. El sonido es un gran detalle en el film de Shyamalan. Otro de los puntos que llegan a ser cruciales en el film es el crecimiento paulatino de la música, para luego atrapar al espectador como un velo gigante que recae suavemente sobre la expresividad de la película. También ayuda el crear una sensación extraña y disonante mediante la percusión, el tipo de sonido musical intenso que crea una sensación de pánico y refleja todos los cambiantes comportamientos que se van sucediendo. Al final, una música hermosa que hace bailar acompasadamente a la película. También se nota un solo de violonchelo de lo más cautivador que supongo representa el permanente conflicto en que crece y se desarrolla la humanidad. En fin, Shyamalan logra convertir la fobia, el pánico, el espanto y la consternación en ansiedad y luego en algo indefinible, intangible de una extraña belleza siempre mantenido las cosas simples, naturales y sinceras. Una puesta en escena impecable que le entrega al espectador una buena oportunidad para estremecerse ensayando una leve sonrisa. Hasta la próxima.
PEPE DERTEANO

jueves, 12 de junio de 2008

Resultados del segundo concurso privado “El blog de Pepe Derteano”, sólo para mujeres.





Preguntas

01.
Que nombre se le da al fenómeno que teorizó el ruso Eisenstein y que se produce cuando varios elementos de un plano se combinan para producir una experiencia multisensorial.
02.
Que nombre se le da al estilo estético cinematográfico, de principios de los años 20, cuyas formas no son narrativas ni descriptivas sino que tienen un fin en sí mismas.
03.
Que nombre se le da al estilo y movimiento que supone un reaparecer, finales de los 50 e inicios de los 60, de los principios del cine-ojo de Dziga Vertow.
04.
Que nombre se le da a la corriente o movimiento francés de los años 20, encabezado por Louis Delluc. Definir brevemente.
05.
Palabra que consiste en la organización del espacio y sus elementos integrantes con el fin de obtener un determinado significado dramático y expresivo, es decir, conseguir la atmósfera precisa para el desarrollo de una escena.
06.
Personaje que rompe el cliché dramático de los héroes tradicionales. Su atractivo consiste en la trasgresión y en un perfil contradictorio con el patrón de la aventura clásica. A menudo se encarga en protagonistas perdedores, marginados, infractores de valores o defensores de su propia causa.
07.
Unidad mínima de acción dentro del guión que aparece determinada por un criterio espacial, de modo que un cambio de locación supone un cambio de la misma.
08.
Retroceso en el tiempo desde el presente diegético del guión hasta una escena o secuencia del pasado, con la finalidad de abrir una nueva línea de acción en el argumento.
09.
Texto que contiene el argumento cinematográfico desglosado en escenas, como unidades mínimas de acción.
10.
Tención especial provocada en el espectador a través de una anticipación que aguarda su correspondiente cumplimiento en forma de desenlace fatal. Es un recurso de estrategia emocional.
11.
Qué actor siente excitación con los choques automovilísticos junto a Holly Hunter en la película “Crash” del director canadiense David Cronenberg.
12.
Mencione como mínimo ocho películas ganadoras de la Palma de Oro del festival de Cannes, de origen norteamericano, con sus respectivos directores.
13.
Quienes fueron los directores que consiguieron ganar el Oso de Oro del festival de Berlín con sus respectivos films de origen norteamericano y que también lograron ganar la Palma de Oro del festival de Cannes.
14.
Nombrar las películas en donde Jack Nicholson recibió el Globo de Oro por sus diversas interpretaciones.
15.
Quienes son los actores norteamericanos que protagonizaron al agente afro americano Shaft, en sus diferentes versiones.
16.
Sólo tres mujeres han estado nominadas en la categoría de mejor dirección en los premios Oscar. Nombrarlas así como a sus respectivas películas y año de nominación.
17.
Sólo tres películas han ganado los cinco premios más importantes: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz, y mejor guión. Nombrar titulo y año.
18.
Nombre al actor y a la actriz más ancianos en ganar un Oscar como actores principales, y mencione la edad de cada uno de ellos, así como sus respectivas películas.
19.
Nombre al director que más premios de la Academia ha ganado. Coloque el título de sus películas y sus respectivos años.
20.
Nombre las tres actrices que han tenido la mayor cantidad de nominaciones en los premios de la Academia.


GANADORA ABSOLUTA

Señorita RITA RUBIO
36 respuestas correctas
90% de efectividad

Señorita PINA PIQUERAS 31 puntos
Señorita FRANCESCA ROMERO 31 puntos
Señorita LUZ ANGELICA TALLEDO 30 puntos
Señorita URSULA MARIA GAMBOA 30 puntos
Señorita ANA VALENZUELA 30 puntos
Señorita PAMELA RIZO PATRON 30 puntos
Señorita SILVIA GOTUZZO 30 puntos
Señorita ERIKA PARDO 30 puntos
Señorita ROSSANA PUIG 30 puntos
Señorita SHARON PARODI 30 puntos
Señorita PRISCILLA DE LA JARA 29 puntos
Señorita DENISSE ZIMMERMAN 29 puntos
Señorita ROSARIO BROUGUE 28 puntos
Señorita URSULA CAMINO 28 puntos
Señorita ANA MARIA OLCESE 28 puntos
Señorita NATALIA COSSIO 27 puntos
Señorita CLAUDIA LOPEZ LI 27 puntos
Señorita MARIA FANO 27 puntos

Respuestas a las Preguntas

01.
Sinestesia
02
Cine abstracto
03
Cinéma verité o cine verdad
04
Impresionismo
05.
Escenografía
06.
Antiheroe
07.
Escena
08.
Flashback
09.
Guión
10.
Suspense
11.
James Spader
12.
“Union pacific”, de Cecil B. deMille 1939
“The lost weekend”, de Billy Wilder 1946
“Othello”, de Orson Welles 1952
“Marty”, de Delbert Mann 1956
“Friendly persuasion”, de William Wyler 1957
“Mash”, de Robert Altman 1970
“The scarecrow”, de Jerry Schatzberg 1973
“The conversation”, de Francis Ford Coppola 1974
“Taxi driver”, de Martin scorsese 1976
“Apocalypse now”, de Francis Ford Coppola 1979
“All that jazz”, de Bob Fosse 1980
“Missing”, de Constantín Costa-gavras 1982
“Sex, lies and videotape”, de Steven Sodebergh 1989
“Wild at heart”, de David Lynch 1990
“Barton fink”, de Joel & Ethan Coen 1991
“Pulp fiction”, de Quentin Tarantino 1994
“Elephant”, de Gus van Sant 2003
“Fahrenheit 9/11”, de Michael Moore 2004
13.
Robert Altman con el film “Buffalo bill and the indians” y Constantín Costa-gavras con “Music box”
14.
“Mejor…..imposible”
“Atrapado sin salida”
“Chinatown” y
“Terms of Endearment”.
15.
Richard Roundtree y Samuel L. Jackson
16.
Lina Wertmüller en 1976 por “Pasqualino: seven beauties”
Jane Campion en 1993 por “The piano” y
Sofia Coppola en 2003 por “Lost in translation”.
17.
“It happened one night” en 1934,
“Atrapado sin salida” en 1975 y
“The silence of the lambs” en 1991
18.
Henry Fonda en 1981 por su papel en la película “On Golden Pond” a la edad de 76 años y 317 días. Jessica Tandy en 1989 por su papel en la película “Driving Miss Daisy” cuando tenía 80 años y 252 días.
19.
John Ford.
1935 por “The Informer”
1940 por “The Grapes of Wrath”
1941 por “How Green Was My Valley” y
1952 por “The Quiet Man”.
20.
14 nominaciones: Meryl Streep (02 estatuillas)
12 nominaciones: Katherine Hepburn (04 estatuillas)
10 nominaciones: Bette Davis (02 estatuillas)

Fotografías

01.
Evan Rachel Wood
02.
Connie Stevens
03.
Carole Lombard
04.
Carla Gugino
05.
Angeline Jolie
06.
Jamie Lee Curtis
07.
Humperth Bogart
08.
Gloria Grahame
09.
Gene Tierney
10.
Marlon Brando
11.
Laura Linney
12.
Julian Schnabel
13.
Jodie Foster
14.
Uma Thurman
15.
Phillip Seymour Hoffman
16.
Olga Kurylenko
17.
Nikky Blonsky
18.
Monica Bellucci
19.
Julianne Moore
20.
Eva Mendez

Los resultados los pueden comparar por lo que se anula el correo a cada una de las participantes.

Estimada Rita Rubio, te felicito por el triunfo, te lo mereces y espero que disfrutes de los premios. Me estaré poniendo en contacto vía telefónica el día Lunes 16 de Junio del año en curso. Un beso enorme y gracias a todas mis chicas del blog por participar
.

PEPE DERTEANO MUENTE

domingo, 8 de junio de 2008

Sólo para Mujeres. Segundo concurso privado “el blog de Pepe Derteano”

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BASES PARA EL CONCURSO


01.

El Concurso consta de 40 puntos a resolver.

02.

De los 40 puntos, 20 son Fotos y 20 preguntas.

03.

Las Fotos, serán respondidas colocando cualquiera de las siguientes opciones; el nombre del artista o los artistas que salen en la misma, el nombre del personaje que representa en la película, el título de la película o el nombre del acontecimiento. Cualquier respuesta acertada se dará por válida, menos si se dan 02 opciones diferentes. En el caso de las 20 preguntas, no se darán alternativas de respuestas, se evaluarán los conceptos.

04.

Adjunto, se publican en la entrada, tanto las Fotos como las Preguntas.

05.

Solamente participarán MUJERES, que hayan intervenido como mínimo 01 vez en el blog.

06.

Las respuestas de los participantes se enviarán vía correo electrónico a la siguiente dirección electrónica; joseluisderteano@yahoo.es. En el mensaje se adjuntarán los siguientes datos; Nombre completo, edad y distrito.

07.

Habrá 01 sola ganadora quien se determinará por simple conteo de respuestas correctas. En el caso de un empate, el concurso se definirá con 10 preguntas más complejas que las primeras.

08.

El premio es; Un libro pasta dura titulado “HISTORIA DE LAS MUJERES” de las autoras Bonnie S. Anderson y Judith P. Zinsser + tres DVD originales de los siguientes films ganadores de Oscares a mejor película; “Gigi”, “My Fair Lady” y “The Sound of Music”. En el caso de los 02 últimos DVD doble disco y solo uno en el primer caso.

09.

La puntuación final se devolverá a los concursantes vía e-mail, para que revisen sus respuestas y quede demostrada la transparencia del concurso. No se publicarán las puntuaciones de todas. Solamente las respuestas.

10.

La fecha de publicación del concurso en el blog, será el día Domingo 08 de Junio de 2008.

11.

La fecha de vencimiento del concurso será el día Jueves 12 de Junio de 2008.

12.

La fecha de publicación de los resultados será el día Sábado 14 de Junio de 2008.

13.

La entrega de los premios se coordinará con la ganadora vía e-mail o vía telefónica.

14.

Las fechas se modificarán si existe una segunda ronda de preguntas.


PREGUNTAS

01.
Que nombre se le da al fenómeno que teorizó el ruso Eisenstein y que se produce cuando varios elementos de un plano se combinan para producir una experiencia multisensorial.
02.
Que nombre se le da al estilo estético cinematográfico, de principios de los años 20, cuyas formas no son narrativas ni descriptivas sino que tienen un fin en sí mismas.
03.
Que nombre se le da al estilo y movimiento que supone un reaparecer, finales de los 50 e inicios de los 60, de los principios del cine-ojo de Dziga Vertow.
04.
Que nombre se le da a la corriente o movimiento francés de los años 20, encabezado por Louis Delluc. Definir brevemente.
05.
Palabra que consiste en la organización del espacio y sus elementos integrantes con el fin de obtener un determinado significado dramático y expresivo, es decir, conseguir la atmósfera precisa para el desarrollo de una escena.
06.
Personaje que rompe el cliché dramático de los héroes tradicionales. Su atractivo consiste en la trasgresión y en un perfil contradictorio con el patrón de la aventura clásica. A menudo se encarga en protagonistas perdedores, marginados, infractores de valores o defensores de su propia causa.
07.
Unidad mínima de acción dentro del guión que aparece determinada por un criterio espacial, de modo que un cambio de locación supone un cambio de la misma.
08.
Retroceso en el tiempo desde el presente diegético del guión hasta una escena o secuencia del pasado, con la finalidad de abrir una nueva línea de acción en el argumento.
09.
Texto que contiene el argumento cinematográfico desglosado en escenas, como unidades mínimas de acción.
10.
Tención especial provocada en el espectador a través de una anticipación que aguarda su correspondiente cumplimiento en forma de desenlace fatal. Es un recurso de estrategia emocional.
11.
Qué actor siente excitación con los choques automovilísticos junto a Holly Hunter en la película “Crash” del director canadiense David Cronenberg.
12.
Mencione como mínimo ocho películas ganadoras de la Palma de Oro del festival de Cannes, de origen norteamericano, con sus respectivos directores.
13.
Quienes fueron los directores que consiguieron ganar el Oso de Oro del festival de Berlín con sus respectivos films de origen norteamericano y que también lograron ganar la Palma de Oro del festival de Cannes.
14.
Nombrar las películas en donde Jack Nicholson recibió el Globo de Oro por sus diversas interpretaciones.
15.
Quienes son los actores norteamericanos que protagonizaron al agente afro americano Shaft, en sus diferentes versiones.
16.
Sólo tres mujeres han estado nominadas en la categoría de mejor dirección en los premios Oscar. Nombrarlas así como a sus respectivas películas y año de nominación.
17.
Sólo tres películas han ganado los cinco premios más importantes: mejor película, mejor director, mejor actor, mejor actriz, y mejor guión. Nombrar titulo y año.
18.
Nombre al actor y a la actriz más ancianos en ganar un Oscar como actores principales, y mencione la edad de cada uno de ellos, así como sus respectivas películas.
19.
Nombre al director que más premios de la Academia ha ganado. Coloque el título de sus películas y sus respectivos años.
20.
Nombre las tres actrices que han tenido la mayor cantidad de nominaciones en los premios de la Academia.


Suerte para todas.

PEPE DERTEANO